Leo Macias règne sans partage sur l'univers des romans à l'eau de rose qu'elle écrit sous le pseudonyme d'Amanda Gris. Mais Leo souffre, elle souffre de ne pouvoir écrire autre chose que les bluettes que lui impose son éditeur, elle souffre de l'absence de son mari, un soldat toujours parti en Belgique ou en Bosnie… Elle décide de reprendre sa vie en main. Pedro Almodovar s'éloigne quelque peu de son univers habituel haut en couleur et en personnages extrêmes pour cette histoire simple, celle de cette femme capricieuse, incapable de prendre les bonnes décisions pour se sortir d'une vie qui ne lui plaît plus, interprétée avec talent par Marisa Paredes, avec dans le rôle de sa mère l'excellente Chus Lampreave dont le jeu vaut à lui seul le détour. Du Almodovar sobre et rare. -David Rault.

Fin du XIXème siècle, Angleterre. Un fermier pauvre de Marlott, apprenant son ascendance noble, envoie sa fille aînée Tess dans la riche famille aristocrate apparentée afin d&rsquoy obtenir un emploi. Conquise de force par le fils de sa bienfaitrice, Tess, mortifiée, tombe enceinte. La mort du nouveau-né la contraint alors à s&rsquoenfuir loin de son village.

Enfin réunis en DVD, quelques-uns des chefs-d'œuvre liminaires d'un des éléments les plus indépendants de la Nouvelle Vague française. Cinq films en tout, pour la plupart agrémentés, en bonus, de courts métrages du maître. Longtemps considéré, à l'instar d'un Sautet, comme le cinéaste d'une certaine bourgeoisie, Eric Rohmer a su concilier tout au long de sa carrière un esprit du marivaudage et une critique souvent grinçante et amusée de l'hypocrisie inhérente à ce milieu. Confronté à la tentation permanente des femmes, le héros "rohmerien", un trentenaire généralement arrivé sentimentalement et socialement "à maturation", voit ses habitudes et ses canons de pensée remis en question par la naissance de l'amour. Un coffret comprenant cinq DVD, donc, les fameux Contes moraux du réalisateur, servis par des comédiens remarquables et des dialogues ciselés : les courts métrages La Boulangère de Monceau et La Carrière de Suzanne, ainsi que Ma nuit chez Maud, L'Amour l'après-midi, La Collectionneuse et Le Genou de Claire. Indispensable à la DVDthèque du cinéphile. -Jean-Pascal Grosso.

Franck, ambulancier à Los Angeles, est appelé au chevet de Catherine Tremayne, asphyxiée au gaz. Elle soupçonne une tentative d'assassinat, mais la police retient l'hypothèse de l'accident. Franck tombe sous le charme de Diane, la belle-fille de Catherine, et accepte peu après de devenir le chauffeur de la famille Tremayne… Film magnifique d'Otto Preminger, que beaucoup jugent supérieur à Laura, Un si doux visage mêle avec brio le romantisme et le polar, offrant à Robert Mitchum l'un des plus beaux rôles de sa carrière, celui d'un homme qui, par amour, s'enfonce inexorablement dans une spirale infernale. Encore un grand film – noir, très noir – de la RKO, disponible en DVD grâce à l'opiniâtreté des éditions Montparnasse. -David Rault.

Casablanca, 1943. Rick, Américain cynique et blasé, dirige un cabaret-tripot dans lequel se presse chaque soir une foule de gens hétérogènes, composée aussi bien d'Européens bien décidés à échapper au nazisme que d'agents du Reich, de petits malfaiteurs que de collaborateurs. Un soir, Ilsa fait son retour dans la vie de Rick. Elle et lui se sont aimés trois ans auparavant, à Paris. Venue avec son mari, farouche opposant aux nazis, Ilsa a besoin de l'aide de Rick. Casablanca est l'un des plus grands films jamais réalisés à Hollywood. Romantique en diable, il se double d'un grand film d'aventure, et ne manque pas d'humour. Cette alchimie parfaite se retrouve également dans la réalisation de Michael Curtiz et dans l'ensemble de la distribution, évidemment dominée par le couple Bogart-Bergman, en état de grâce. Cette édition en tout points remarquable d'un point de vue technique – tant au niveau de l'image que du son – se distingue également par la qualité des nombreux suppléments. Pour compléter l'intégralité de la mythique bande originale du film, présente sur le troisième disque, on retrouve ainsi des extraits de son enregistrement, avec différentes interprétations de Dooley Wilson. [+]

L'Amérique des années 50 a ses codes, ses clichés et ses femmes au foyer modèles ; Cathy est de celles-là, tellement modèle qu'elle fait même la une du journal local. Ce qui n'est pas écrit dans cet article, c'est que derrière les apparences idylliques se cache une vérité dramatique, celle d'un mari homosexuel et d'un jardinier noir par qui elle se sent de plus en plus attirée. Et ça, dans l'Amérique des années 50, c'est tout simplement inavouable… Non content d'en faire une chronique juste et sans concessions, Todd Haynes a puisé dans les fifties américaines jusqu'au style et au panache pour conter une histoire digne des grands mélodrames de l'âge d'or d'Hollywood : de l'image chatoyante en cinémascope à la musique emphatique, en passant par des acteurs passionnés, Dennis Quaid et Julianne Moore en tête, habités par l'esprit de Clark Gable et d'Elizabeth Taylor ; c'est quelques années en arrière que ce très beau film nous plonge, jusqu'au "The end" forcément tragique. Du très beau cinéma, comme on n'en fait plus, ou presque… -David Rault.

Homme de théâtre reconnu, comédien remarquable - Snake Eyes, Apollo 13 -, Gary Sinise est également un metteur en scène de talent, même si son œuvre dans ce domaine reste pour le moment limitée à deux films : le très joli Rien à perdre et cette nouvelle adaptation du chef-d'œuvre de Steinbeck, après celle de Lewis Milestone. Gary Sinise confirme ici tout le bien que l'on avait pu penser de son premier film, ainsi que son attachement pour les laissés-pour-compte dans l'Amérique rurale. Pour Des souris et des hommes, il a tout naturellement confié le rôle de Lenny à son ami John Malkovich - comme lui membre fondateur de la compagnie théâtrale Steppenwolf - qui l'interprétait déjà sur scène avec lui. Dans ce rôle d'attardé mental en perpétuelle recherche de douceur (la fourrure d'une souris, les cheveux d'une femme), Malkovich est prodigieux, et le film, simple, épuré et remarquablement fidèle au roman, laisse le spectateur ému et légèrement chancelant. De l'émotion pure, en somme, la force du récit en plus. -Georges Dabeliou.

Plus dérangeant que L'Exorciste, plus palpitant que Angel Heart, Sous le soleil de Satan reste à ce jour la dernière Palme d'or remportée par un film français – c'était en 1987. À mi-chemin du thriller fantastique et de la quête métaphysique, ce film doit une partie de sa réputation aux polémiques qu'il a suscitées : le poing rageur de Maurice Pialat sous les huées du public cannois ("Vous ne m'aimez pas, je ne vous aime pas non plus !") ; l'adaptation controversée du très catholique Bernanos par l'athée virulent qu'est Pialat ; le jeu inhabituel, "bressonnien", des deux acteurs principaux, Gérard Depardieu et Sandrine Bonnaire, entre grâce et désarroi. Mais avant tout, voici un film unique, âpre, sombre et ténébreux sur les mystères de la foi. Filmé avec une grâce inouïe, les pieds dans la glaise. Un bloc de cinéma à la fois terrien et mystique. Et humain. Dominée par les plans-séquences, la mise en scène de Pialat, d'une puissance obscure, cerne au plus près le trouble d'un homme qui ne supporte pas le poids de la grâce. Attention : rien d'austère ou de psychologique. Tout passe par l'image, la durée, la composition des plans. En tournant au plus près de ses personnages dans de magnifiques jeux d'ombres et de lumières – chapeau au chef opérateur Willy Kurant –, Pialat réussit les scènes les plus casse-gueule qui soient : la rencontre du prêtre avec le diable, la résurrection d'un enfant, la mort de Mouchette, les discussions entre Donissan et son supérieur interprété par Pialat lui-même. [+]

Une humeur amoureuse à laquelle auront succombé bien des spectateurs ! Mais il est vrai, comment résister à la grâce évanescente de madame Chan et à son incroyable garde-robe ? Mais surtout comment raconter une histoire qui ne se raconte pas ? Car tout n'est ici qu'affaire d'ambiance, de sensations : les vapeurs d'un restaurant, l'espace étroit d'un couloir ou d'une chambre, le cadre d'un miroir où les regards se perdent. Les personnages de Wong Kar-Wai, magnifiés par l'extraordinaire photo de Christopher Doyle ou confinés dans des angles de prises de vues impossibles, se croisent, s'effleurent, et c'est toute la magie d'une histoire d'amour naissante que le cinéaste sublime et fait perdurer jusque dans le silence du temple millénaire d'Angkor. In The Mood For Love apparaît d'emblée comme un aboutissement de son style intimiste et dépouillé, essence d'un cinéma en recherche d'impressions fugitives et de non-dits. Une sensibilité et une sensualité à fleur de pellicule qui n'est pas sans rappeler son deuxième film Nos années sauvages, qui se passait également dans les années soixante et rassemblait déjà Maggie Cheung et Tony Leung. Un petit joyau visuel à la fois intense et pudique, comme sait si bien le faire le cinéma asiatique. -Arnaud Caire.

Un homme arrive à Helsinki. Il est agressé et devient amnésique. Il se retrouve dans le quart-monde des faubourgs de la capitale et reconstruit doucement sa vie avec l'aide d'une jeune femme de l'armée du salut. En décernant son Grand Prix spécial et son Prix d'interprétation féminine 2002 à cet Homme sans passé, le jury cannois présidé par David Lynch permet de faire la lumière sur cet incroyable cinéaste finlandais en activité depuis plus de quinze ans : Aki Kaurimäski, sorte de mixte Gainsbourg-Bukowski, à l'humour décalé, ravageur et profondément humain. À travers les péripéties d'un amnésique qui redécouvre les plaisirs simples de la vie auprès d'une communauté de déshérités dans la banlieue d'Helsinki, ce cinéaste sarcastique brosse une savoureuse galerie de portraits de marginaux finlandais : un faux méchant gardien et son faux chien de garde baptisé Hannibal, un avocat aux redoutables problèmes d'élocution, un braqueur finalement honnête, etc. Cette fable minimaliste, sous le patronage de Tati, Chaplin, Capra et Jarmusch, reprend une trame éternelle – la quête des origines – dans laquelle l'humour laconique et dépressif d'Aki Kaurismäki fait merveille. À la différence de ses précédents opus – Au loin s'en vont les nuages, Juha, Hamlet Goes Business – rayonnent ici deux éléments éclatants : la lumière, qui évoque du soleil dans une eau froide, s'inspire des tableaux d'Edward Hopper, et la bande-son riche et tonique, qui passe allègrement du blues des origines au pur rock'n'roll, en passant par des chants traditionnels finnois. Sans pathos ni effet lacrymal, ce conte de fées pince-sans-rire sur la dignité humaine semble filmé par un cinéaste venu d'un autre temps et d'une autre galaxie. Comme quoi, ce sont eux qui parlent le mieux de nos contemporains. -Sylvain Lefort.

Adaptation de la comédie musicale à succès du même nom, le film offre une nouvelle version d'une figure légendaire déjà représentée de nombreuses fois au cinéma. Davantage que la mise en scène de Joel Schumacher, c'est avant tout la musique et le choix d'acteurs excellents et inspirés qui portent le film. Un film sincère, mais qui aurait peut-être gagné à être réalisé par un cinéaste plus audacieux. Le DVD offre un traitement royal au film aussi bien du point de vue technique qu'interactif, le tout dans un packaging de luxe. Et les suppléments pleuvent : un excellent documentaire retraçant la genèse de la pièce musicale originale, un making of intéressant, accès aux coulisses de la production, analyse de la pièce musicale, galerie photo et un hilarant bonus caché. - www. ecranlarge. com Depuis qu'elle réside à l'opéra, la jeune Christine entend la voix d'un ange mystérieux qui l'a choisie pour muse. Ce fantôme, un génie musical défiguré qui vit dans les dessous labyrinthiques de l'édifice, est aussi protecteur avec elle, que redoutable avec tous ceux qui s'opposent à sa volonté. Un soir, en interprétant le rôle de la diva en titre, le talent de Christine se révèle devant une foule enthousiaste. [+]