En 1917, dans un petit village du pays de Galles, alors que la plupart des hommes sont au front, l'arrivée de deux séduisants cartographes anglais va bouleverser le quotidien des habitants, majoritairement des vieillards et des femmes… Une charmante comédie destinée à perpétuer le succès du fringant Hugh Grant, alors auréolé du succès de Quatre mariages et un enterrement. Un film touchant et tendre, servi par un casting sympathiquement "british", qui ressort sous forme d'un DVD bien lesté en bonus et surprises. Pour les fans de Grant et de comédies à l'anglaise. -George Maubeuge.

Imaginez un inconnu se présentant comme le fils de Sydney Poitier s'incruster chez vous pendant un dîner mondain. Tel est le point de départ de cette brillante et fine comédie, qui permet à Will Smith, bien avant Ali, de prouver combien il peut être un acteur racé et sensible. Ne serait-ce que pour cela, Six degrés de séparation vaut le coup d'œil. Petite merveille d'intelligence, cette comédie acerbe et corrosive est signée du dramaturge John Guare – scénariste, entre autres, d'Atlantic City de Louis Malle et de Taking Off de Milos Forman. Brio des dialogues, fluidité du découpage, montée du suspense, l'éclectique cinéaste australien Fred Schepisi se hisse à un degré de perfection cinématographique qu'on ne lui connaissait guère jusqu'alors – Un cri dans la nuit, Plenty, La Maison Russie. Autre atout du cinéaste : sa direction d'acteurs. Outre Will Smith, elle offre l'occasion de redécouvrir Donald Sutherland – MASH, Casanova de Fellini – et Stockard Channing – Vol à la tire, Grease – à leur meilleur, aux côtés du shakespearien Ian McKellen – futurs Gandalf et Magneto…. Cerise sur le gâteau : s'y dessine en creux un subtil portrait de New York et de son microcosme, digne de Woody Allen. Un petit bijou à posséder sans aucun degré de séparation. -Sylvain Lefort.

Tourné en 1998, soit quatre ans après Journal intime, Aprile continue de creuser la veine autobiographique inaugurée avec son double Michele Apicella dans les films antérieurs. Là où le précédent était une espèce d'hommage à sa terre natale – même traversé de part en part par le doute d'un cancéreux de retour à la vie –, Aprile dresse le portrait d'un quadragénaire de gauche rongé par la situation politique dans laquelle s'est enfoncé son pays. Père de famille, néamoins immature, le personnage qu'incarne Nanni Moretti hésite entre la mise en scène d'une actualité politique brûlante et la fiction sur un patissier trotskiste au milieu des années 50. Par bien des aspects, Aprile, déjà, annonce La Chambre du fils, pour lequel Nanni Moretti obtiendra la Plame d'or à Cannes. Après ce film, le réalisateur se consacra un temps à son engagement contre la politique d'un Silvio Berlusconi symbolisant ce que son cinéma a toujours craint, combattu et dénoncé. Sur le DVD, outre l'analyse de quatre séquences – comme sur celui du magnifique Journal intime – on trouve aussi The Last Costumer, réalisé cinq ans plus tard, court-métrage révélant un Nanni Moretti plus inquiet et bouleversant que jamais, qui filme la disparition d'une pharmacie vieille de 100 ans fondée par des immigrés italiens à New York. -Hervé Comte.

La première réalisation de George Clooney a de quoi en énerver plus d'un. Non seulement le bel Hollywoodien est déjà l'un des comédiens les plus talentueux, sympathiques et généreux de sa génération, mais il s'est offert le luxe de mettre en scène un film captivant, tendu, plein d'humour et d'élan. Comme savent si bien le faire des cinéastes américains plus roués que lui, Clooney signe une de ces chroniques qui mélangent à la fois intrigue fictionnelle et repère sociologiques et culturels inhérents à son pays. Confessions d'un homme dangereux est l'adaptation des mémoires apocryphes du producteur et animateur télé Chuck Barris. Ce nom ne vous dit sûrement rien : sorte d'Arthur d'avant l'heure, l'homme fut à l'origine, dans les années 60, de jeux révolutionnaires et qui seront adaptés, bien plus tard, en France, sous le titre Tournez manège ou Les Z'amours ! Cela donne un thriller qui oscille entre la comédie de mœurs sur fond d'histoire de la télé aux États-Unis et le fantastique, les confessions de Barris semblant si ouvertement délirantes qu'on les imagine sorties d'un esprit schizophrène. Un premier essai parfait pour Clooney, qui invite toute sa bande de potes (Julia Roberts, Brad Pitt, Matt Damon…) à jouer les figurants souvent désopilants ! Le double DVD, lui, aura tout pour satisfaire le fan : un making-of, douze scènes coupées, un documentaire sur le vrai Chuck Barris, les essais de Sam Rockwell… Jubilatoire ! -Jean-Pascal Grosso.

Si l'on retrouve dans ce film l'ambiance funèbre des livres de l'auteur de La Métamorphose, si Steven Soderbergh glisse quelques allusions à de monstrueux cafards, si le héros, employé le jour dans une compagnie d'assurance et écrivain d'histoires assez torturées la nuit, se prénomme Kafka, le titre de ce film reste malgré tout trompeur. Loin d'être un documentaire sur le romancier, ce film nous emmène dans un excellent thriller ! Après la disparition de son ami et de sa maîtresse, Kafka mène une enquête qui le conduira dans un château obscur où un médecin se livre à d'atroces expériences. … Soderbergh nous entraîne dans les rues sombres et dangereuses de quartiers lugubres, hantés par un affreux personnage. Pour accentuer le côté fantastique, il joue sur les gros plans et tourne en noir et blanc. Les images en 1. 85 16/9 sont brumeuses et on distingue quelques effets de rémanence à l'écran mais, dans l'ensemble, la qualité du DVD n'est pas mauvaise. L'ambiance musicale, restituée en stéréo, est angoissante à souhait. -Sophie Wittmer.

Fanny rêve de voir son nom en haut de l'affiche. Son humour étant plus fort que sa maladresse et son physique quelque peu ingrat. Elle entre bientôt au sein de la troupe de Ziegfeld, l'un des grands de l'époque. Tout va donc pour le mieux pour Fanny, jusqu'à l'arrivée de Nick Arnstein, qui va bouleverser sa vie. William Wyler, l'illustre réalisateur de Ben Hur, signe pour la première et seule fois une comédie musicale, et l'on regrettera, à la vision de cette Funny Girl, qu'il n'ait jamais renouvelé l'expérience. Tout d'abord jouée à Broadway puis à Londres, Funny Girl fut tout d'abord interprétée par Anne Bancroft, puis par Barbra Streisand, qui reprend le rôle lors de son adaptation cinéma, lançant au passage sa carrière. S'ensuivirent 8 nominations aux oscars dont celui du meilleur film et de la meilleure actrice, qu'elle remportera. Et ce succès est mérité : l'esprit des Ziegfield Follies est parfaitement recréé, l'éblouissement est perpétuel. Un grand classique de la comédie musicale américaine, à posséder absolument. -David Rault.

On aimerait ne pas pouvoir l'attraper, Léo, tant la vision de cette course-poursuite dans les golden 60's procure de plaisir ! Une histoire en or que ce destin véridique de Franck Abagnale, qui dans les années 60, de sa 15e à sa 20e année, parvient à se faire passer pour pilote de ligne à la PanAm, médecin ou avocat, tout en détournant des millions de dollars ! Un personnage fascinant, que le scénario de Jeff Nathanson restitue sous toutes ses facettes, même les moins sympathiques. Et que Steven Spielberg s'est amusé à filmer avec beaucoup de grâce et de légèreté. Brio de la reconstitution, superbe générique d'introduction, rocambolesque des situations, du buble-gum jazzy ! Alors, certes, la patte de Spielberg se fait parfois un peu plus lourde, surtout lorsqu'elle s'attaque à son obsession majeure : la famille. Mais derrière la guimauve qui inonde certaines scènes, sourd une nostalgie, une tristesse liée à l'impossibilité de retrouver ce bonheur familial perdu. Une évolution notable dans l'œuvre du réalisateur, palpable depuis AI et Minority Report. Qui permet à Leonardo Di Caprio de livrer une interprétation magistrale, à la fois solaire et ténébreuse, entre le Holden de L'Attrape-Cœurs de Salinger et le Gatsby de Fitzgerald. Deux scènes fortes en témoignent : la première rencontre Tom Hanks-Di Caprio, hilarante ; le déjeuner entre Franck et son père, très émouvant. Deux rencontres placées sous le signe du père, l'un de substitution, l'autre bien réel mais étranger à sa famille… Car c'est bien du côté de la relation paternelle que se situe le cœur de cette œuvre alerte et profonde, notamment dans cette admiration et dans cette déception mêlées entre Leo et son père Christopher Walken, bouleversant. -Sylvain Lefort.