Tourné en moins d'un mois, c'est le film de la "nouvelle vague" par excellence. Ne serait-ce que parce qu'il réunit Jean-Luc Godard à la caméra, François Truffaut au scénario et Claude Chabrol comme conseiller technique. Si À bout de souffle s'inscrit dans le registre du polar, c'est d'une manière bien à lui. Ici, ni mystère ni suspense. Seuls quelques aspects surnagent – le chapeau de Belmondo, les belles voitures, la figure de Bogart – ainsi que quelques scènes d'action (la filature de Poiccard, le meurtre du policier). La nouveauté radicale vient de ces longues scènes entre Michel et Patricia (Bebel et Jean Seberg rayonnants) sur les Champs-Elysées, dans leur chambre d'hôtel ou dans l'appartement de la Suédoise. Mais la véritable originalité et la beauté envoûtante du film tiennent aussi à un parti pris novateur de mise en scène : caméra portée sur l'épaule, tournage en décors naturels, son direct. D'où cette impression de liberté et d'improvisation, renforcée par la musique du jazzman Martial Solal. D'où également la déclaration d'amour du metteur en scène de Pierrot le fou pour Paris. Les Champs-Elysées, le Quartier latin, la rue Campagne-Première, rarement la ville n'aura été captée avec autant de grâce et de vérité. [+]

Voici l'un des films les plus célèbres de John Huston. L'un de ses plus personnels, aussi. Et par la même occasion, l'un des plus mythiques de l'histoire du cinéma. Imaginez : réunir Marilyn Monroe et Clark Gable, alors au bout du rouleau, ravagés par la fatigue, les échecs et la maladie ; adjoignez-leur Montgomery Clift, au bord du gouffre et traversé par des pulsions suicidaires ; faites-les tourner dans les grands espaces du Nevada, en compagnie de mustangs sauvages, sur un scénario d'Arthur Miller, sous la direction du plus casse-cou des réalisateurs américains, John Huston. Et vous obtenez un bouleversant chant crépusculaire aux accents dignes de Hemingway qui se veut également un désespérant hymne à la vie. D'autant que les circonstances de son tournage ont contribué à la légende de ce chant du cygne. Immortalisés dans un splendide noir et blanc, Clark Gable et Marilyn Monroe trouvent là leurs derniers rôles, l'actrice disparaissant un an plus tard et l'acteur succombant à une crise cardiaque une semaine après la fin du tournage. À la fois document ombrageux sur la mort au travail, la disparition des mythes et la fin de l'Ouest américain, un chef-d'œuvre. -Sylvain Lefort Roselyn va fêter son divorce dans un bar où elle fait la connaissance de Guido, un ancien aviateur. Ce dernier lui présente Gay, un cowboy très séduisant. [+]

Casablanca est un chef-d'œuvre de perfection qui éblouira encore de nombreuses générations à venir. Mêlant une intrigue amoureuse unique d'une grande subtilité aux enjeux de la Seconde Guerre mondiale, le film aborde également la question des choix que chacun est obligé de faire lors de périodes troublées. Il offre à Humphrey Bogart un rôle bouleversant, celui d'un homme dont les certitudes vacillent avec la réapparition de son ancienne maîtresse (Ingrid Bergman, éblouissante), accompagnée de son mari Paul Heinreid. Opposant dans un premier temps la passivité de Bogart à l'héroïsme d'Heinreid, le film de Michael Curtiz réunit finalement ses protagonistes de la plus belle façon qui soit. Claude Rains, Sydney Greenstreet, Peter Lorre, Conrad Veidt et Marcel Dalio forment ce qui est peut-être la plus belle distribution de seconds rôles de l'histoire d'Hollywood. Répétons-le, Casablanca est certainement un des films les plus brillants jamais réalisés. -Tom Keogh.

Hors du temps et de l'espace, se tient un étrange procès. Un poète doit comparaître pour deux crimes capitaux : l'innocence et le désir d'intégrer un monde où il n'a pas sa place. Coupable, il est condamné à vivre. Dernier film écrit, réalisé et interprété par Jean Cocteau, Le Testament d'Orphée est sans doute l'une de ses œuvres les plus personnelles. Hanté d'une fulgurante poésie, le film recèle des références à son travail antérieur, de Orphée au Sang d'un poète, et des trouvailles visuelles dignes de Méliès. Œuvre phare dans la filmographie de Cocteau, Le Testament d'Orphée est un voyage incontournable dans l'univers du maître. Un pur moment de grâce. -David Rault.

Il aura fallu plus de treize ans à Sergio Leone pour monter, réaliser et enfin léguer à l'histoire du septième art son œuvre testamentaire. Fresque monumentale s'étalant des années vingt à la fin des années soixante, Il était une fois en Amérique clos la trilogie légendaire du cinéaste italien de la manière la plus sombre et la plus amère qui soit. L'histoire de Noodles, petit voyou du Bronx propulsé caïd de la pègre, ressemble à une peinture nostalgique et désenchantée du rêve américain de puissance et de pouvoir en rupture avec les passions individuelles et les sentiments, un mythe à échelle humaine où se côtoient la poésie de l'enfance et la brutalité absurde du monde. Œuvre magistrale et crépusculaire magnifiée par la langueur mélancolique de la musique d'Ennio Morricone, ce film reste une incroyable réflexion sur le temps, sur les désillusions et les regrets d'une vie. Ce temps, justement, figure à part entière du récit savamment charpenté en flash-back, Sergio Leone se l'approprie avec une maîtrise inégalée pour en tirer toute sa substantifique moelle dramatique, apportant la profondeur à ses personnages magistralement interprétés par Robert De Niro, James Woods et Elizabeth Mc Govern. On ressort de Il était une fois en Amérique avec le sentiment d'avoir visité un temple ou parcouru les fines ciselures d'une sculpture massive et intemporelle, à l'image du pont de Brooklyn omniprésent ou du mausolée dans lequel Noodles/De Niro vient se recueillir. -Arnaud Caire.

Peut-être le firmament de la carrière de George Cukor. Mélange de mélodrame et de musical, Une étoile est née est un autoportrait cruel et flamboyant d'Hollywood. Dans un écrin somptueux – technicolor, couleurs flamboyantes – ce joyau noir porte un coup fatal à ce miroir aux alouettes qu'est l'entertainment made in USA. Mais il le fait avec la grâce éblouissante et l'ampleur visuelle qu'on connaît à l'auteur de My Fair Lady, Women et du Roman de Marguerite Gautier. Remake d'un film insipide de William Wellman (1937), cette œuvre colossale reste également un document exceptionnel sur une de ces stars au destin tragique, dont la carrière éphémère a marqué de manière indélébile l'histoire du cinéma : Judy Garland, autrefois enfant adulé d'Hollywood grâce au Magicien d'Oz. Elle livre ici sa composition la plus brûlante, la plus vraie et la plus personnelle. En star en pleine ascension qui aime passionnément un mari-Pygmalion suicidaire et alcoolique, elle a manqué de peu l'Oscar remporté cette année-là par Grace Kelly pour le dispensable Une fille de province. On n'est en tout cas pas près d'oublier l'harmonie qu'elle suscite en entonnant ses différents morceaux, notamment The Man That Got Away et surtout Somewhere, There's Someone. Face à elle, James Mason – La Mort aux trousses, L'Affaire Ciceron, Lolita – en acteur sur le déclin bouleverse tout autant. Un chef-d'œuvre incontestable, mutilé à sa sortie, réhabilité par ce somptueux DVD. [+]