Le film impressionne d'abord par l'incroyable prestation de Robert De Niro, qui s'est entraîné au point de devenir, au dire de Jake La Motta lui-même, digne d'un boxeur professionnel, puis s'est astreint à une cure de "grossissement" pour incarner son personnage vieillissant. Mais cette ahurissante performance d'acteur serait vaine si elle n'avait pour but de donner sa consistance à un récit profondément pathétique, à savoir l'ascension et la déchéance d'un personnage incapable de maîtriser son propre destin. Or le film de Scorsese va bien au-delà de la simple biographie d'un champion de boxe, et au- delà même de l'évocation d'un univers frelaté dont les vedettes ne sont guère que des pantins. Il y a évidemment cela dans Raging Bull mais il y a surtout une grande leçon de morale. -Michel Marmin.

Ce film noir de Billy Wilder, devenu un classique, n'a pas pris une ride et continue à choquer, faire rire, et étonner. Abordant les thèmes du vieillissement et de la mort à Hollywood, il est servi par une excellente distribution. Aux côtés de William Holden en jeune scénariste fauché et cynique, Gloria Swanson interprète un rôle bien proche d'elle-même, éblouissante en vieille gloire du muet, oubliée d'Hollywood et rêvant toujours à un hypothétique come-back. Erich von Stroheim, légendaire metteur en scène de Les Rapaces, qui dirigea Gloria Swanson dans La Reine Kelly incarne ici son valet, alors que Cecil B. DeMille joue son propre rôle. Boulevard du Crépuscule fait désormais partie de l'histoire du cinéma et de la culture populaire, sans pour autant être devenu une relique. Au contraire, ce film, sorti en 1950, n'a vraiment pas vieilli. -Jim Emerson.

Une histoire d'amour et de passion sur fond de guerre de Sécession, un couple de légende, un film mythique : rarement le cinéma n'aura trouvé d'écrin plus glamour que cette immense fresque. Il suffit d'évoquer Scarlett O'Hara – incarnée avec passion par Vivien Leigh –, Rhett Butler – magnifié par le flegme et le charme de Clark Gable – la ville d'Atlanta livrée aux flammes, les cueillettes de coton dans la plantation de Tara, le caractère effronté des personnages – "Je m'en fiche comme d'une guigne !" – la richesse chromatique des couleurs due à Ernest Haller, la musique de Max Steiner, l'épopée du tournage – un film à lui tout seul, qui usa quatre réalisateurs, avec un producteur mégalomane, David O. Selznick, sans l'énergie duquel ce film flamboyant n'existerait pas – pour que décidément la légende opère encore et toujours… À l'arrivée, 3 heures 40 de pellicule, une pluie d'oscars – onze, record que seul Titanic près de soixante ans après viendra égaler – un immense succès, et le rêve de Selznick quasiment réalisé : "Faire le plus beau film du monde. " -Sylvain Lefort Des générations entières ont dévoré le roman de Margaret Mitchell dont est adapté ce film. Si les décors, les couleurs paraissent aujourd'hui démodés, Autant en emporte le vent reste un monument, surpassant de loin certaines productions beaucoup plus modernes… Durant la guerre de Sécession, Scarlett O'Hara accepte, par dépit, la demande en mariage du premier venu. Mais, sa route croise celle du séduisant Rhett Butler. Cette histoire, on la connaît tous et le DVD nous en offre une copie magnifiquement restaurée. Les images sont superbement définies, les couleurs éclatantes et la piste sonore, remixée en 5. 1 en français comme en anglais, des plus vivantes. La longueur du film (224 min !) impose de retourner le disque en milieu de programme. [+]

Les penchants satiriques de l'auteur Peter Shaffer et du réalisateur Milos Forman (Vol au-dessus d'un nid de coucou) sont parfaitement exploités dans ce film plusieurs fois primé aux Oscars, adapté de la pièce à succès de Peter Shaffer. Amadeus décrit la rivalité opposant deux musiciens à la cour de l'empereur autrichien Joseph II : le compositeur officiel Antonio Salieri (F. Murray Abraham), et un prodige, plus jeune mais plus talentueux, Wolfgang Amadeus Mozart (Tom Hulce). Salieri a secrètement en horreur la personnalité de Mozart, sa grossièreté et son immaturité, mais il est aussi abasourdi par la beauté de ses compositions. Face à un tel génie, Salieri se sent rongé par la jalousie et le mal-être, bien qu'il soit dans une position unique pour reconnaître et faire cultiver le talent de son jeune rival. Qu'une musique aussi belle puisse émaner d'un être aussi vulgaire apparaît à Salieri comme l'un des tours les plus cruels de Dieu, et le fait plonger dans la folie. Amadeus joue sur les contrastes entre des détails particulièrement soignés sur l'époque et un ton très contemporain et très peu compassé dans les dialogues et l'interprétation : tout cela pour rappeler que, avant de devenir des légendes, les génies sont des êtres humains. Jeffrey Jones, mieux connu sous les traits du proviseur de Ferris Bueller, est particulièrement remarquable dans le rôle de l'empereur empoté qui parle avec la voix d'un cadre moyen. Milos Forman reçut l'Oscar du meilleur réalisateur, F. Murray Abraham celui du meilleur premier rôle masculin, et le film se vit décerner le titre de meilleur film et de meilleur scénario. [+]

Loin de la démesure de ses œuvres précédentes, et faute de pouvoir achever son adaptation de Don Quichotte, Orson Welles, cinq ans après la réalisation de La Soif du mal, met en image grâce à une coproduction européenne, l'œuvre de Franz Kafka. Le Procès est l'histoire de Joseph K, un homme qui ne sait pas de quoi on l'accuse. Incarné avec une droiture mêlée de fragilité et de mystère par le filiforme Anthony Perkins, fraîchement sorti du Psychose d'Hitchcock, cet autre "citoyen K" devient la métaphore de tout un système basé sur une bureaucratie écrasante et une justice absurde. C'est dans l'architecture de la gare d'Orsay que le réalisateur de Citizen Kane va trouver le décor propice à l'imaginaire baroque de l'univers kafkaïen. Le grand hall lui permet d'exploiter la profondeur de champ qu'il affectionne, l'enchevêtrement de poutrelles métalliques lui offre la possibilité de jouer avec les ombres et les angles. Mais c'est surtout dans l'utilisation très rythmée des entrées et sorties de champ des acteurs et dans un montage précis que le cinéaste trouve l'expression du labyrinthe mental que se créait Joseph K. On notera le personnage ambigu interprété par Romy Schneider, rompant ainsi définitivement avec son image d'impératrice en costume, et la première collaboration entre Jeanne Moreau et Orson Welles – suivront Falstaff en 1965 et Une histoire immortelle en 1967. -Arnaud Caire.

En 1947, Stuart Heisler signe une comédie dramatique qui pourrait être une version "féminine" de Une étoile est née. Une vie perduemet en scène une chanteuse qui va mettre en péril sa carrière pour le compositeur prometteur qu'elle vient d'épouser. Elle se met à boire. Il la quitte. Mais un accident les réconciliera ! Un brillant et édifiant mélo. Signé Lewis Milestone, L'Emprise du crime fut nominé à l'Oscar du meilleur scénario (écrit par le grand Robert Rossen). Une angoissante intrigue, sur un couple machiavélique qui, après avoir assassiné un proche pour toucher un gros héritage, fait main basse sur la petite ville où il réside. Une véritable bijou du film noir où l'on croise la somptueuse Barbara Stanwyck, Van Heflin, Kirk Douglas et même le réalisateur Blake Edwards dans le rôle d'un marin. De quoi ravir les cinéphiles !-Jean-Pascal Grosso.