C'est un époustouflant travail de restauration visuel et sonore qui nous permet ici de redécouvrir l'un des chefs-d'œuvre du cinéma français. Deux mois avant l'entrée en guerre de la France contre l'Allemagne hitlérienne, La Règle du jeu décrivait sans ambages et avec prémonition la faillite d'une société qui allait se jeter dans les bras du nazisme. Renoir saupoudre son œuvre d'une liberté d'inspiration formelle qui confine littéralement au génie, au sein d'une mise en scène dont la grammaire reste encore aujourd'hui des plus modernes. Une expérience de cinéma unique marquant l'aboutissement d'une cinématographie estampillée depuis « âge d'or ». Une intervention filmée de Renoir datant de 1966 et revenant sur l'exécrable réception du film lors de sa sortie sert d'introduction à cette œuvre majeure. Celle-ci est accompagnée du commentaire audio d'un historien du cinéma spécialiste de Jean Renoir, que l'on retrouve sur le second disque au sein d'un entretien passionnant où il se propose de revenir sur l'historique de la production du film. Un point de vue à compléter par ceux de Claude Chabrol, Noémie Lvovsky, Jean Douchet ou celle du maître lui-même, interviewé en 66 par Jacques Rivette. Un accompagnement éditorial pertinent pour ce véritable joyau de notre patrimoine cinématographique. - www. ecranlarge. [+]

Plus qu'un policier, c'est incontestablement l'un des premiers films d'épouvante français. Tiré d'un roman de Boileau-Narcejac, en voici la recette : un meurtre particulièrement dur, un coup de théâtre final, une atmosphère d'épouvante. Grâce à cette adaptation qui lui permet de déployer sa noirceur et son pessimisme légendaires, Henri-Georges Clouzot décroche le plus grand succès commercial de sa carrière. Il faut dire que rien n'a été laissé au hasard : jouant habilement sur les nerfs du spectateur, le réalisateur du Salaire de la peur obtient des distributeurs, que les salles projetant le film soient fermées dès le début de la projection. Le tournage, complètement secret, vire au cauchemar : Paul Meurisse et le metteur en scène se détestent plus que cordialement ; Véra Clouzot et Simone Signoret ne s'entendent absolument pas. Tout ceci ne serait qu'anecdotique si Clouzot n'avait pas vampirisé l'intrigue comme il l'a fait. En décrivant, avec la minutie d'un chercheur, des personnages qui s'entre-dévorent tels des insectes, il livre une oeuvre à la limite du fantastique, qui combine angoisse psychologique (dans le huis clos d'un pensionnat), peinture de moeurs (les relations sado-masochistes d'un homme, de sa femme et de sa maîtresse) et effets terrifiants (l'image de Paul Meurisse gisant au fond d'une baignoire remplie à ras bord a fait le tour du monde). Un film qui porte décidément bien son titre ! Roi des ambiances claustrophobes et névrosées, le metteur en scène du Corbeau est également un maître du casting, à même de réunir autour des stars de l'époque – Charles Vanel, Simone Signoret, Paul Meurisse –, des fidèles – Noël Roquevert, Pierre Larquey –, et des "débutants", comme sa femme Véra, un comique nommé Michel Serrault et, parmi les figurants, une tête blonde appelée Jean-Philippe Smet, futur Johnny Hallyday ! -Sylvain Lefort.

Quelle divine surprise que cette édition restaurée – celle là même ressortie en salles en 2003 – de Peau d'Âne ! Car cette – très – libre adaptation du conte de Perrault signée Jacques Demy n'a rien perdu de cette grâce infinie qui en fait l'une des plus délicieuses réussites du créateur des Parapluies de Cherbourg. Tournée en 1970, après un long séjour du réalisateur aux États-Unis, cette fantaisie féerique doit tout autant au psychédélisme et au pop art alors en vogue aux États-Unis qu'au cinéma français "classique" (on pense aux Visiteurs du soir, et les références à Cocteau sont plus qu'explicites). Plus de trente après sa sortie, le charme opère toujours sur les petits comme les plus grands, émerveillés par la beauté des décors et des costumes, surpris par l'esprit surréaliste soufflant sur l'ensemble du film – ah ! le chat-trône et les cheveaux rouges. –, séduit par les chansons du duo Demy-Legrand ou la distribution parfaite – de Catherine Deneuve, aussi éblouissante que sa robe couleur soleil, à Jean Marais en passant par l'immense Delphine Seyrig en fée perverse. Une œuvre merveilleuse et intemporelle remarquablement servie par ce DVD aux bonus dans l'esprit du film, avec notamment une précédente adaptation de Peau d'Âne datant de 1908, muette mais commentée par des enfants, un accès direct aux chansons du film et un karaoké pour trois d'entre elles, un très instructif extrait du documentaire consacré par Agnès Varda à Jacques Demy. Un excellent moyen de redécouvrir ce qui est désormais un classique. -Michaël Cuq.

Une douce héritière, Linda McKinlaw, s'éprend du séduisant Johnnie Aysgarth. À peine mariée, elle apprend que celui-ci a de graves problèmes financiers et n'a jamais travaillé. Semblant sombrer peu à peu dans la paranoïa, Linda en vient à soupçonner son jeune époux de vouloir l'assassiner… Excellent Hitchcock de 1941, Soupçons réunit à l'écran le couple somptueusement glamour Cary Grant-Joan Fontaine. Différent dans son final du roman signé Francis Isle dont il est tiré, Soupçons joue à merveille sur la corde de l'angoisse et de la paranoïa. Une ambiance très british, pour ce deuxième film du maître du suspense réalisé à Hollywood. À noter que Joan Fontaine reçut l'Oscar de la meilleure actrice pour ce film. -Jean-Pascal Grosso.

Walter Brown et Gus Forbes, deux inspecteurs de police, sont chargés de protéger Mlle Neal, veuve d'un caïd qui doit témoigner contre la mafia. Mais, dès qu'ils ont pris possession de l'encombrant colis, Forbes est abattu. Son coéquipier doit alors effecteur seul le périlleux convoyage en train, de Chicago à Los Angeles. Excellente série B typique des années 50, marquée du sceau de la mythique RKO, L'Énigme du Chicago express reste, plus de cinquante ans après, une enquête palpitante aux multiples rebondissements, à la réalisation soignée et novatrice – Richard Fleischer, qui allait nous offrir, quelques années plus tard, 20 000 Lieues sous les mers et Le Voyage fantastique, utilisait ici pour l'une des premières fois une caméra portée directement sur l'épaule dans les courses-poursuites dans les couloirs du train, donnant un sentiment de réalisme peu vu jusqu'alors. Notons qu'un remake de ce film a été réalisé en 1990 par Peter Hyams avec Gene Hackman, Le Seul Témoin. -David Rault.

Le jour se lève marque la fin d'une époque. C'est en effet le dernier film dans lequel Jean Gabin endosse la tenue du perdant magnifique qui a fait sa légende dans les années 30, à travers des œuvres telles que Pépé le Moko, Quai des brumes ou La Bête humaine. Après la guerre, Gabin mettra des années à retrouver des rôles de cette envergure et les faveurs du public. Celui-ci fut cependant particulièrement déconcerté par la construction de ce cinquième long-métrage de Marcel Carné. Bâti sous forme de flash-back, procédé alors inédit – en France tout au moins –, le film débute avec le meurtre de Jules Berry par François (Gabin). Dès lors, François, retranché dans sa chambre, se souvient des circonstances qui l'ont conduit à tuer. Apogée du réalisme poétique, Le jour se lève comporte bon nombre de morceaux de bravoure – la scène ou Gabin harangue la foule de sa fenêtre, bien sûr, mais aussi toutes celles entre celui-ci et Berry, qui stupéfiait littéralement son partenaire, au point que Gabin en oubliait souvent de jouer – et reste, plus de soixante ans après sa sortie, un film clé de l'histoire du cinéma français. -Michaël Cuq.

Unique incursion du cinéaste de Laura et d'Autopsie d'un meurtre dans le western, La Rivière sans retour est un authentique chef-d'œuvre. À la fois limpide et sauvage, ce film nous mène sur le double terrain du film d'aventures et du récit initiatique centré sur un double couple : un chercheur d'or et son fils qui apprennent à se connaître – Robert Mitchum et le jeune Tommy Retting, alors âgé de 10 ans et dont les relations ne sont pas sans évoquer cet autre grand chef-d'œuvre du film d'aventures réalisé également par un Viennois de Hollywood, Les Contrebandiers de Moonfleet de Fritz Lang ; un aventurier rugueux et une chanteuse au cœur pur, Mitchum et Marylin, un duo de légende. Plutôt à l'aise dans les environnements urbains – Un si doux visage, Mark Dixon détective en témoignent – Otto Preminger se tire haut la main de son challenge. Outre la splendeur du cinémascope, on y retrouve toute la patte du cinéaste : brillante utilisation de la grue, scénario qui exploite toutes les figures du genre (saloons, Indiens, tentative de viols), sens de l'espace et des décors naturels. Et même si le film lui a été commandé par Darryl Zanuck, le réalisateur est parvenu à lui insuffler une touche toute personnelle, doucement mélancolique. Ce qui en fait à la fois une éclatante réussite de genre et une très belle œuvre d'auteur. -Sylvain Lefort.

Après avoir sorti des éditions définitives de longs métrages de George Romero et d'Éric Rohmer, la maison Opening s'attaque au grand œuvre langien avec deux classiques immortels : M le Maudit et Le Testament du Dr Mabuse. Sur ces films, tout a déjà été écrit, que ce soit sur la remarquable interprétation de Peter Lorre ou à propos de ce qu'ils révèlent de la situation sociale en Allemagne pendant les années 30 : le moins qu'on puisse dire est qu'ils étaient prémonitoires ! L'amateur appréciera de savoir qu'il s'agit là de la version longue de M le Maudit (amputée de vingt minutes dans les années 60, restaurée à 117 minutes par Martin Koerber en 2002). Le troisième DVD rassemble d'intéressants bonus concernant les décors inventés par Emil Hasler, ainsi qu'un entretien avec le critique de cinéma Noël Simsolo, grand spécialiste de Lang comme de Hitchcock. -Hervé Comte.

Bizarre, bizarre : incompris à sa sortie en 1937, ce film est désormais considéré comme un petit bijou du cinéma français des années 30. Les dialogues – exceptionnellement brillants – de Jacques Prévert n'y sont pas pour rien : outre le célèbre dîner et son "Bizarre, bizarre", les mimosas de Molyneux ou la comptine des petits pigeons reposent au panthéon des cinéphiles. S'y ajoute une distribution de choix : Jean-Louis Barrault en assassin de bouchers ; Michel Simon, en professeur de botanique le jour, écrivain de romans policiers la nuit ; Françoise Rosay, en impayable Madame Molyneux ; enfin, Louis Jouvet, en inquiétant évêque de Bedford. Souvent présenté comme une transposition à la française du non-sens britannique, Drôle de drame reste avant tout un formidable film d'acteurs et de dialoguiste, sans héritier apparent dans le cinéma français, hormis peut-être Buffet froid de Bertrand Blier. -Sylvain Lefort.

Tourné à la veille de la Seconde Guerre mondiale, La Règle du jeu décontenança par sa noirceur et sa modernité. Il est vrai que Renoir, à travers un tragique chassé-croisé amoureux, y brosse un tableau au vitriol de la société française de la fin des années trente. Et quand le film fut projeté pour la première fois, il fut accueilli par de telles manifestations d'hostilité - on tenta même d'incendier la salle de cinéma - que les distributeurs obtinrent l'autorisation de couper les scènes jugées offensantes. Sifflé par le public et mutilé par la censure, le film maudit de Renoir s'est depuis fait une place de choix dans le panthéon des classiques français. Sujet d'innombrables exégèses, ce film prophétique est aujourd'hui étudié dans les écoles de cinéma les plus réputées, et des personnalités telles que Gérard Depardieu ou le cinéaste Emir Kusturica ne cachent pas leur admiration à son sujet. Il faut dire que cette oeuvre d'une grande richesse, comparable à ce que fut, à la veille de la Révolution, Le Mariage de Figaro, se laisse voir et revoir à l'infini. On ne se lasse pas en effet de cette partie de chasse en Sologne (suivie d'une fête chez un châtelain) où maîtres et domestiques rivalisent de cynisme et de cruauté. Un jeu de massacre qui ne serait pas aussi mémorable sans la prestation de ses extraordinaires comédiens - Dalio en tête. David Mikanowski.

Il est de ces films qu'on n'oublie pas et dont les mystères renouvellent le plaisir à chaque projection. Unique réalisation de l'immense et charismatique acteur Charles Laughton, La Nuit du chasseur fait partie de ces petits bijoux précieux et inclassables du septième art. Entre le film noir angoissant et la comédie humaniste à la Frank Capra, entre la peinture sociale d'une Amérique rongée par la dépression économique et la flânerie onirique stylisée, cette adaptation d'un roman de David Grubb traverse les genres sans jamais s'assujettir à l'un d'eux en particulier. La photo superbe de Stanley Cortez nous immerge dans un jeu d'ombre et de lumière, s'affranchissant du cadre rectangulaire, le recomposant littéralement. La maison des Harper prend à la nuit tombée, les formes menaçantes rappelant l'inquiétant Cabinet du docteur Caligari de Robert Wiene, exprimant ainsi la peur sourde inspirée par l'étrange prédicateur aux phalanges tatouées. "Hate" à gauche, "Love" à droite : le délire d'un psychopathe résonne comme un discours manichéen et simplificateur imposé à une Amérique en plein désarroi. Cette chimère, Charles Laughton la démonte avec une intelligence rare et une étonnante liberté de ton prise à l'encontre des canons du récit hollywoodien de l'époque. Mené par le duo magistral Robert Mitchum-Lilian Gish, La Nuit du chasseur est à la croisée de plusieurs histoires du cinéma e[f1][f2]t recèle un chef-d'œuvre unique dans tous les sens du terme. -Arnaud Caire.