Cléopâtre. Un nom mythique pour une souveraine légendaire. Voici le fabuleux portrait de la Reine du Nil, dont la beauté dévastatrice a fait trembler deux des plus grands seigneurs de l'Empire romain, Jules César et Marc-Antoine. Une relation sulfureuse, faite de pouvoir et de trahison, qui changea le cours de l'histoire à jamais.

1957. L'Amérique ébahie découvre la première rockstar de l'Histoire. Son nom : Johnny Cash. Icône d'une génération, éternel rebelle, "l'homme en noir" a connu tous les excès : les concerts hystériques, les ravages de la drogue, la passion dévorante. Entre gloire et déchéance, "Walk the Line" vous plonge dans la vie hors du commun de ce musicien visionnaire devenu une véritable légende.

À l'ombre de la haine… et à celle de Faulkner ! Racisme, peine de mort, sud des États-Unis, alcool, relations amour-haine, suicides familiaux, poids du destin, impossible de ne pas évoquer l'auteur de Sanctuaire à la vision de ce film bouleversant. Intense, riche en événements, notamment pendant la première demi-heure qui vous saisit la gorge, À l'ombre de la haine est le deuxième film d'un réalisateur… suisse, qui n'hésite pas à faire d'abord confiance à l'intelligence et à la sensibilité du spectateur. À la manière de Sean Penn, Mark Forster travaille des thèmes chers à l'Amérique profonde : le deuil impossible, l'innocence perdue, le poids de la famille. Dans l'ambiance poisseuse du south america, il met l'accent sur le non-dit et les silences, le poids des regards lourds de blessures mal pansées. La réussite de cette plongée au cœur de l'Amérique tient également à la force de l'interprétation du couple central incarné par Billy Bob Thornton – The Barber – et Halle Berry (couronnée meilleure actrice à Berlin et oscarisée pour ce rôle en 2002). Au-delà de tout éloge, leur composition généreuse trouve son accomplissement dans une des scènes les plus torrides qu'il ait été donné de voir dans le cinéma américain contemporain. À leurs côtés, Heath Ledger – Chevalier –, dans le rôle du fils sacrifié, et Peter Boyle – Taxi Driver –, dans celui du père diabolique, rajoutent à l'intensité de cette tragédie antique made in US. -Sylvain Lefort.

Rohmer-Spielberg, même combat ! L'improbable rencontre de la technologie numérique et d'un des cinéastes français les plus populaires outre-Atlantique donne naissance à un pur moment de cinéma. Pour sa troisième incursion dans le film historique à costumes – après Perceval le Gallois et La Marquise d'O –, l'auteur de Comédies et Proverbes s'attaque à la Révolution française ; Avec une originalité et une ambition qu'on ne soupçonnait pas chez ce juvénile octogénaire. Première idée : les décors. Dans un souci de réalisme approfondi, Éric Rohmer a reconstitué le Paris de la Terreur grâce à de magnifiques tableaux de Jean-Baptiste Marot, qui s'est inspiré de miniatures et de plans du XVIIIe siècle. D'où le plaisir intense de découvrir une ville qui n'était jamais apparue aussi vraie qu'à travers un procédé aussi artificiel. Deuxième idée, formidable : mêler l'intime et l'Histoire. En s'appuyant sur les mémoires – au point de vue contestable – d'une Anglaise, Grace Elliot, maîtresse du duc d'Orléans, frère de Louis XVI, Éric Rohmer donne chair à une époque particulièrement tourmentée via la judicieuse utilisation d'une caméra DV. Construit comme un véritable suspense, L'Anglaise et le Duc – respectivement interprétés avec beaucoup d'élégance et finesse par Lucy Russel et Jean-Claude Dreyfus – permet de revigorer un genre souvent compassé et académique. Une très grande réussite, qui comble autant les cinéphiles les plus exigeants que le grand public. -Sylvain Lefort.

Alain Corneau, voilà bien un metteur en scène qui sait prendre des risques. Après une dizaine de films déjà dominés par l'éclectisme – de France société anonyme à Nocturne indien, en passant par Police Python 357 ou Série noire – il se lance dans… la musique baroque. Et le comble, c'est qu'il parvient avec une grâce inouïe à nous passionner à ce thriller métaphysique en costumes : qui de l'austère sainte Colombe ou du mondain Marin Marais conservera son intégrité de musicien, de joueur de viole de gambe ? En des scènes superbement éclairées par Yves Angelo, et admirablement mises en musique par Jordi Savall, le réalisateur de Fort Saganne et son scénariste Pascal Quignard rendent ainsi hommage non seulement à la musique du XVIIe siècle, mais à la création artistique en général. Bénéficiant d'un casting prestigieux – Depardieu père et fils, Jean-Pierre Marielle saisissant, Anne Brochet plus évanescente que jamais – le film reçoit justement le prix Louis Delluc 1991 et 7 Césars, dont ceux du meilleur film et du meilleur réalisateur. -Sylvain Lefort.

Issu des comics américains desquels ont également émergé Spider-Man et les X-Men, Hulk était attendu au tournant pour son arrivée sur les grands écrans. Et là, la surprise est de taille. Génial réalisateur de Tigre et Dragon, Ang Lee s'empare du mythe pour en livrer une vision personnelle et intimiste accompagnée de moments de bravoure grâce aux impressionnants effets spéciaux. Il rend hommage à la bande dessinée, grâce à des plans découpés et scindés en plusieurs parties, et à la série télé créée en 1978 avec l'apparition furtive de Lou Ferrigno, première incarnation du monstre vert. Il réussit surtout à donner une apparence plus que réelle au "super-héros" grâce à un personnage fait d'images de synthèse incroyables de naturel. En le voyant, on y croit dur comme fer. Interprété par l'inconnu Eric Bana, Hulk offre à Jennifer Connelly (Un homme d'exception) un de ses meilleurs rôles. Et si Ang Lee centre surtout son intrigue autour de la relation amoureuse des deux personnages principaux, il n'oublie pas de mettre sa mise en scène au service d'un grand film d'action. Combats contre chiens mutants, homme de pierre et poursuite par l'armée nous plongent en plein cœur de la bande dessinée d'origine. Du grand art. [+]