Cannes, 1971 : le jury décerne sa Palme au Messager de Joseph Losey, et le prix du XXVe anniversaire à Mort à Venise de Luchino Visconti. Deux films jumeaux, tous deux en deuil de l'adaptation fantôme entamée par leurs réalisateurs : La Recherche du temps perdu de Proust. Plus proustien sans doute que n'eût été l'adaptation littérale, Mort à Venise est unanimement admiré. À juste titre. Œuvre testamentaire et crépusculaire du maître italien (Le Guépard, Rocco et ses frères), Mort à Venise s'appuie à la fois sur une nouvelle du romancier allemand Thomas Mann et la biographie du compositeur Gustav Malher. Dont les symphonies n° 3 et n° 5 bercent ce chant du cygne d'un artiste, d'une ville et d'une société. Tout à la fois récit d'une passion homosexuelle platonique, méditation sur la création artistique, reflet d'un univers finissant, Mort à Venise éblouit les sens par la méticulosité de la reconstitution, la précision de la direction d'acteur, la somptueuse lumière de Pasqualino de Santis et l'intelligence de l'adaptation. Placée sous le triple signe vénitien de la musique, de la beauté et de la mort, c'est une œuvre rare qui fait appel à ce qu'il y a de plus noble dans le spectateur : sa sensibilité, son goût de la beauté, son sens du sacré, sa compassion. Ainsi du plan final muet retentit du tréfonds de nos mémoires l'écho du vers rimbaldien "Elle est retrouvée. Quoi ? L'éternité". [+]

L'atmosphère poisseuse de la pièce de Tennessee Williams est ici très habilement reconstituée par l'un des grands réalisateurs de Hollywood, mal reconnu aujourd'hui, Richard Brooks, spécialiste des adaptations réputées impossibles – Les Frères Karamazov, Lord Jim, Elmer Gantry. À son actif, un véritable sens du casting, qui lui fait réunir deux des stars les plus glamour du Hollywood de la fin des années 50, Paul Newman et Elizabeth Taylor. À leurs côtés, le réalisateur fait appel à Burl Ives, dans le rôle terrible et démoniaque de Big Daddy qu'il avait créé sur scène. On se rappellera longtemps la scène clé qui l'oppose à Paul Newman dans la cave. Richard Brooks signe une adaptation très intelligente du matériau originel. Car il était hors de question, bien sûr, d'évoquer frontalement l'homosexualité du personnage principal, à l'origine des difficiles relations qu'il entretient avec son épouse. Celle-ci est subtilement suggérée par le jeu à fleur de peau d'un Paul Newman au sommet de son art. Et même si l'on peut regretter quelques lourdeurs de mise en scène, ce film reste avec Soudain l'été dernier (à nouveau interprété par Elizabeth Taylor) un modèle de transposition made in Hollywood du monde névrotique et poétique de Tennessee Williams. Le trio Brooks-Newman-Williams se reconstituera en 1962 pour Doux oiseau de la jeunesse, avant que Paul Newman ne signe sa propre adaptation de La Ménagerie de verre. -Sylvain Lefort.

S'inspirant de l'histoire réelle de C. S. Lewis et de Joy Gresham, Richard Attenborough oscille entre la romance sentimentale et le mélodrame : un professeur quinquagénaire et égoïste est l'ami d'une jeune Américaine vive et impulsive qui tombe malade. Il comprend alors l'étendue de son amour pour elle… Les Ombres du coeur est un film très académique, qui vaut par l'interprétation nuancée et retenue d'Anthony Hopkins et de Debra Winger. On croit à leur couple uni par une véritable tendresse ! Le DVD, doté d'une bonne luminosité et d'une image en 2. 35 16/9, souffre d'un son stéréo (français, anglais) un peu trop discret. Le doublage en français tient la route, mais la version originale aurait mérité un sous-titrage avec de plus gros caractères. -Marie-Sylvie Maufus.

"Il n'y a rien de plus beau que les histoires vraies", comme l'indique l'affiche du film. Partant de ce principe, Bertrand Tavernier s'est librement inspiré des souvenirs du scénariste Jean Aurenche et du réalisateur Jean Devaivre pour brosser le tableau du cinéma français des années sombres de l'Occupation, sous tutelle allemande. D'où un film foisonnant, à la fois didactique et romanesque, instructif et lyrique, comme le réalisateur du Juge et l'Assassin et de Capitaine Conan en est coutumier. En s'appuyant sur une pléiade de comédiens – magnifiques jusqu'au moindre second rôle – pour la plupart issus du théâtre, Laissez-passer est un film sensible et passionnant. Qui n'élude pas les questions : que faire sous l'Occupation quand on travaille pour la Continental, cette compagnie de production française dirigée par des Allemands ? Y aller ? Refuser les offres de travail ? Quels types de films monter ? Résister ? Toute la force du propos de Tavernier réside dans l'attention qu'il porte à ces dilemmes et à la pluralité des cas de figure. Certes, on pourra toujours s'agacer devant les leçons de morale civique que ne manque pas d'assener çà et là le réalisateur de Coup de torchon. Reste que pour le brio de ses dialogues, le lyrisme de sa mise en scène, la véracité de son scénario et la fabuleuse galerie de portraits qu'il dépeint, il s'agit là d'une fresque exceptionnelle. Mieux : une déclaration d'amour au métier et à ceux qui l'exercent, qui a valu à Jacques Gamblin un prix d'interprétation à Berlin, festival qui a également couronné la partition d'Antoine Duhamel en 2002. -Sylvain Lefort.

Quatre destinées qui s'entrecroisent à l'aube de la Seconde Guerre mondiale : celle d'une jeune juive fragile (Christina Ricci) échouée dès son enfance dans un monde qu'elle ne maîtrise pas, à la recherche de son papa ; celle d'une danseuse russe (Cate Blanchett) dont l'ambition démesurée n'a d'égale que son narcissisme ; celle d'un ténor italien (John Turturro) obsédé par sa carrière et par les femmes ; celle, enfin, d'un énigmatique gitan (Johnny Depp) sans autres ambitions que de mener une vie simple et sans histoire. Drame poignant et réaliste sur une période noire de l'Histoire, The Man Who Cried est à l'image de sa somptueuse bande originale, qui tantôt berce le spectateur sur des airs tziganes langoureux et plaintifs, tantôt l'assomme de sonorités d'opéra tonitruantes : une incessante opposition entre le monde silencieux et replié, mais tellement chaleureux, dans lequel évoluent les "indésirables" et l'univers excessif et superficiel de ceux qui n'ont pas à vivre caché. Néanmoins, Sally Potter parvient à maintenir une note optimiste tout au long de son récit. En dépit d'un quatuor d'acteurs au faîte de leur art, The Man Who Cried n'a pas rencontré son public lors de sa sortie en salle. Espérons que ce magnifique DVD saura réparer une telle injustice. -Arthis Rougemont.