En réalisant Arizona Dream, une comédie intimiste et irréaliste, Emir Kusturica nous entraîne dans le voyage imaginaire d'Axel Blackmer. Celui-ci va approfondir son étude psychanalytique des poissons au gré des paysages de l'Arizona, bercé par les mélodies envoûtantes de Goran Bregovic. Ce compositeur, dont les notes s'entendent si harmonieusement avec l'univers de Kusturica, s'est associé notamment avec Iggy Pop pour composer une bande originale mémorable. Réunissant entre autres Johnny Depp, alors en pleine ascension dans la scène hollywoodienne, et Faye Dunaway, superbe dans ce rôle, le casting hétéroclite apporte sa part de rêve au film. -Christophe Gagnot En réalisant Arizona Dream, une comédie intimiste et irréaliste, Emir Kusturica nous entraîne dans le voyage imaginaire d'Axel Blackmer. Celui-ci va approfondir son étude psychanalytique des poissons au gré des paysages de l'Arizona, bercé par les mélodies envoûtantes de Goran Bregovic. Ce compositeur, dont les notes s'entendent si harmonieusement avec l'univers de Kusturica, s'est associé notamment avec Iggy Pop pour composer une bande originale mémorable. Réunissant entre autres Johnny Depp, alors en pleine ascension dans la scène hollywoodienne, et Faye Dunaway, superbe dans ce rôle, le casting hétéroclite apporte sa part de rêve au film. -Christophe Gagnot.

Cannes, 1971 : le jury décerne sa Palme au Messager de Joseph Losey, et le prix du XXVe anniversaire à Mort à Venise de Luchino Visconti. Deux films jumeaux, tous deux en deuil de l'adaptation fantôme entamée par leurs réalisateurs : La Recherche du temps perdu de Proust. Plus proustien sans doute que n'eût été l'adaptation littérale, Mort à Venise est unanimement admiré. À juste titre. Œuvre testamentaire et crépusculaire du maître italien (Le Guépard, Rocco et ses frères), Mort à Venise s'appuie à la fois sur une nouvelle du romancier allemand Thomas Mann et la biographie du compositeur Gustav Malher. Dont les symphonies n° 3 et n° 5 bercent ce chant du cygne d'un artiste, d'une ville et d'une société. Tout à la fois récit d'une passion homosexuelle platonique, méditation sur la création artistique, reflet d'un univers finissant, Mort à Venise éblouit les sens par la méticulosité de la reconstitution, la précision de la direction d'acteur, la somptueuse lumière de Pasqualino de Santis et l'intelligence de l'adaptation. Placée sous le triple signe vénitien de la musique, de la beauté et de la mort, c'est une œuvre rare qui fait appel à ce qu'il y a de plus noble dans le spectateur : sa sensibilité, son goût de la beauté, son sens du sacré, sa compassion. Ainsi du plan final muet retentit du tréfonds de nos mémoires l'écho du vers rimbaldien "Elle est retrouvée. Quoi ? L'éternité". [+]

L'atmosphère poisseuse de la pièce de Tennessee Williams est ici très habilement reconstituée par l'un des grands réalisateurs de Hollywood, mal reconnu aujourd'hui, Richard Brooks, spécialiste des adaptations réputées impossibles – Les Frères Karamazov, Lord Jim, Elmer Gantry. À son actif, un véritable sens du casting, qui lui fait réunir deux des stars les plus glamour du Hollywood de la fin des années 50, Paul Newman et Elizabeth Taylor. À leurs côtés, le réalisateur fait appel à Burl Ives, dans le rôle terrible et démoniaque de Big Daddy qu'il avait créé sur scène. On se rappellera longtemps la scène clé qui l'oppose à Paul Newman dans la cave. Richard Brooks signe une adaptation très intelligente du matériau originel. Car il était hors de question, bien sûr, d'évoquer frontalement l'homosexualité du personnage principal, à l'origine des difficiles relations qu'il entretient avec son épouse. Celle-ci est subtilement suggérée par le jeu à fleur de peau d'un Paul Newman au sommet de son art. Et même si l'on peut regretter quelques lourdeurs de mise en scène, ce film reste avec Soudain l'été dernier (à nouveau interprété par Elizabeth Taylor) un modèle de transposition made in Hollywood du monde névrotique et poétique de Tennessee Williams. Le trio Brooks-Newman-Williams se reconstituera en 1962 pour Doux oiseau de la jeunesse, avant que Paul Newman ne signe sa propre adaptation de La Ménagerie de verre. -Sylvain Lefort.

Le défi pour Robert Redford réalisateur était sans doute de diriger pour la première fois l'acteur Robert Redford. On peut affirmer qu'il s'est merveilleusement acquitté de cette tâche avec l'adaptation du best-seller de Nicholas Evans. Parce que le pur-sang de sa fille a eu un accident très grave, la rédactrice en chef d'un magazine new-yorkais très chic se met en quête de celui qui pourra le guérir et redonner le sourire à sa fille. Elle découvre l'existence de Tom Booker (Robert Redford), un guérisseur de chevaux du Montana connu pour son travail de magicien avec les chevaux. Annie, peu enthousiaste, emmène avec elle sa fille (Scarlett Johansson), qui l'est encore moins, au pays des cow-boys. L'influence de Tom Booker dépasse son travail avec le cheval lorsqu'il guérit le coeur de la mère et de la fille. Le film pourrait se contenter de narrer la rencontre de deux mondes, en opposant l'impétuosité de la côte est et la simplicité de la côte ouest des États-Unis. Mais ce film de plus de deux heures et demie est une magnifique histoire de voyage initiatique (qui doit beaucoup au directeur de la photo Robert Richardson, complice habituel d'Oliver Stone). Jamais compliqué, l'intérêt du film réside sans doute dans sa lenteur et dans la tendance qu'a Robert Redford à se pencher plus sur un mode de vie que sur une histoire. La liberté prise avec la fin du roman de Nicholas Evans est particulièrement bienvenue. [+]