Marion, 45 ans, vient de quitter son époux. Elle fait la connaissance de Claude, une jeune femme pleine de vie, indépendante et d'une beauté insolente. Une beauté telle qu'elle fait tourner la tête de tous les hommes et fait naître en Marion des fantasmes inavouables. Quand Marion apprend que Claude est lesbienne, son univers vacille. Et si elle cédait à son désir ? Et si derrière l'attirance physique qu'elle lui inspire palpitait un sentiment plus profond, plus complexe ?.

À la sortie du film, certains se sont interrogés : Clint Eastwood n'est-il pas trop vieux pour camper un homme attirant des femmes d'âges aussi différents que Diane Verona ou les jeunes Mary McCormack et Lucy Liu ? La réponse est non, même si, à la manière d'un clin d'oeil, le grand Clint confirme que le temps passe dans une scène où il s'exhibe torse nu. Eastwood montre à nouveau une très grande maîtrise de la réalisation, mais Jugé coupable est loin de compter parmi ses meilleurs films. En tant qu'acteur, il livre l'une de ses plus divertissantes interprétations. Le scénario, bâti autour d'un sujet fort, est sans faille. Pour la petite histoire, la propre fille de Clint Eastwood, Francesca Fisher-Eastwood, joue la fille de Steve Everett. Sa mère, Frances Fisher, fait également une brève apparition en procureur. -Richard T. Jameson.

Loin de la démesure de ses œuvres précédentes, et faute de pouvoir achever son adaptation de Don Quichotte, Orson Welles, cinq ans après la réalisation de La Soif du mal, met en image grâce à une coproduction européenne, l'œuvre de Franz Kafka. Le Procès est l'histoire de Joseph K, un homme qui ne sait pas de quoi on l'accuse. Incarné avec une droiture mêlée de fragilité et de mystère par le filiforme Anthony Perkins, fraîchement sorti du Psychose d'Hitchcock, cet autre "citoyen K" devient la métaphore de tout un système basé sur une bureaucratie écrasante et une justice absurde. C'est dans l'architecture de la gare d'Orsay que le réalisateur de Citizen Kane va trouver le décor propice à l'imaginaire baroque de l'univers kafkaïen. Le grand hall lui permet d'exploiter la profondeur de champ qu'il affectionne, l'enchevêtrement de poutrelles métalliques lui offre la possibilité de jouer avec les ombres et les angles. Mais c'est surtout dans l'utilisation très rythmée des entrées et sorties de champ des acteurs et dans un montage précis que le cinéaste trouve l'expression du labyrinthe mental que se créait Joseph K. On notera le personnage ambigu interprété par Romy Schneider, rompant ainsi définitivement avec son image d'impératrice en costume, et la première collaboration entre Jeanne Moreau et Orson Welles – suivront Falstaff en 1965 et Une histoire immortelle en 1967. -Arnaud Caire.

Un homme à l'harmonica poursuit inlassablement Frank, un tueur sans pitié aux yeux bleus à la solde du patron des chemins de fer. L'Ouest se civilise, mais la haine des hommes ne change pas. La roue d'une éolienne qui grince, une mouche qui s'acharne sur un visage mal rasé, une goutte d'eau qui tombe régulièrement sur un chapeau, un air lancinant d'harmonica… Un plan d'ouverture magistral pour ce qui reste LE western-spaghetti par excellence. Mais au-delà de l'ironie sous-jacente à cette entreprise de démythification, Il était une fois dans l'Ouest demeure avant tout un véritable hommage, la dette d'un réalisateur envers un pays, une époque et un genre qui ont nourri son imaginaire – pour reprendre ses propos, "une tentative pour reconstruire l'Amérique de cette époque, pour la regarder vivre dans ses derniers moments…" Ambition titanesque qui s'affiche dans son titre et que le réalisateur italien – autrefois baptisé Bob Robertson… – réussit haut la main. Par l'ampleur de sa mise en scène, la richesse de son scénario – coécrit avec Bernardo Bertolucci et Dario Argento, excusez du peu –, la méticulosité de sa reconstitution, l'art de Leone est à son apogée. Premier acte baroque et artificiel, truculent et emphatique, de sa trilogie de l'Amérique, son univers chargé de symboles – la putain au grand cœur, le tueur aux yeux d'acier, le vengeur implacable, le bandit picaresque, l'industriel capitaliste véreux – n'aurait acquis cette dimension mythique sans la musique d'Ennio Morricone. Composée avant même le tournage, elle nappe l'ensemble d'une charge opératique, funèbre et tragique, dans laquelle chacun des personnages dispose d'un thème musical bien identifié. Enfin, inutile de rappeler le regard bleu comme l'enfer d'Henry Fonda (dans le rôle le plus sombre qu'il ait jamais eu à jouer), la garde-robe de Claudia Cardinale, l'harmonica de Charles Bronson, ou la barbe mal taillée de Jason Robards : ils appartiennent à la légende du cinéma, que Leone s'est chargé de graver sur de la pellicule dans nos mémoires de spectateur. -Sylvain Lefort.

1941. Malgré l'invasion japonaise, la colonie anglaise de Shanghaï vit dans une complète ignorance des dangers qui la menacent. Dans ce monde bourgeois le jeune Jim Grahan vit dans un univers d'aventures imaginaires que les lointaines rumeurs de la guerre rend exaltant. Quand les Japonais attaquent Pearl Harbor et investissent Shanghaï, le rêve se déchire et Jim, séparé de sa famille, erre dans les rues où il finit par être arrêté en compagnie de deux aventuriers américains. Après la comédie (1941) et l'aventure (Les Aventuriers de l'arche perdue) Spielberg trouve enfin l'occasion d'offrir une première vision réaliste de la seconde guerre mondiale. A travers l'histoire d'un jeune garçon perdu au cœur de la guerre, Spielberg trouve le ton juste en filmant, au-delà de la guerre, la fascination que celle-ci peut exercer. Pour son personnage, tout n'est qu'un immense terrain de jeu, une succession de beauté et d'héroïsme dénuée de toute notion de mort ou de danger. Dans cette vision presque cynique de l'enfance, Steven Spielberg atteint une justesse inespérée et nous met en garde contre les travers moraux de l'idée selon laquelle tout peut n'être qu'un jeu. Après des années d'attente, Empire du soleil débarque enfin en zone 2 dans un joli et luxueux packaging. On trouvera notamment sur le DVD consacré au bonus le remarquable documentaire L'odyssée de la Chine, où l'on voit Spielberg se démener aux commandes pour faire marcher son film. [+]

1941. Malgré l'invasion japonaise, la colonie anglaise de Shanghaï vit dans une complète ignorance des dangers qui la menacent. Dans ce monde bourgeois le jeune Jim Grahan vit dans un univers d'aventures imaginaires que les lointaines rumeurs de la guerre rend exaltant. Quand les Japonais attaquent Pearl Harbor et investissent Shanghaï, le rêve se déchire et Jim, séparé de sa famille, erre dans les rues où il finit par être arrêté en compagnie de deux aventuriers américains. Après la comédie (1941) et l'aventure (Les Aventuriers de l'arche perdue) Spielberg trouve enfin l'occasion d'offrir une première vision réaliste de la seconde guerre mondiale. A travers l'histoire d'un jeune garçon perdu au cœur de la guerre, Spielberg trouve le ton juste en filmant, au-delà de la guerre, la fascination que celle-ci peut exercer. Pour son personnage, tout n'est qu'un immense terrain de jeu, une succession de beauté et d'héroïsme dénuée de toute notion de mort ou de danger. Dans cette vision presque cynique de l'enfance, Steven Spielberg atteint une justesse inespérée et nous met en garde contre les travers moraux de l'idée selon laquelle tout peut n'être qu'un jeu. Après des années d'attente, Empire du soleil débarque enfin en zone 2 dans un joli et luxueux packaging. On trouvera notamment sur le DVD consacré au bonus le remarquable documentaire L'odyssée de la Chine, où l'on voit Spielberg se démener aux commandes pour faire marcher son film. [+]

Un homme marqué par la guerre du Vietnam, sombre dans la folie et veut vivre près des oiseaux. Son ami tentera de l'aider en revivant avec lui certains souvenirs datant de leur amitié, avant que la guerre ne les sépare.

Taxi Driver est le portrait définitif au cinéma de la solitude et de l'aliénation et de leur traduction en violence. C'est comme si le réalisateur Martin Scorsese et son scénariste Paul Schrader avaient puisé exactement à la même source d'inspiration psychologique ("Je savais que je devais faire ce film", dira plus tard Scorsese) combinée à l'expression d'une anxiété individuelle, politique et sociale qui coïncide parfaitement avec l'après-Watergate. Robert De Niro, dans le rôle de Travis Bickle, l'ex-Marine devenu un chauffeur de taxi torturé, marqua l'histoire du cinéma grâce à une interprétation qui fait froid dans le dos tant elle est dense et convaincante. Travis Bickle s'est assigné comme tâche de redresser une humanité qu'il voit comme salie. Il joue à l'ange gardien pour une jeune prostituée (Jodie Foster), rôle dont les conséquences seront d'une violence dévastatrice. Ce chef-d'oeuvre, qui ne plaira pas forcément à tous les spectateurs, en choquera certains, mais il est difficile d'en contester l'importance et l'effet, qui ne se sont pas estompés avec le temps. -Jeff Shannon.

À la sortie du film, certains se sont interrogés : Clint Eastwood n'est-il pas trop vieux pour camper un homme attirant des femmes d'âges aussi différents que Diane Verona ou les jeunes Mary McCormack et Lucy Liu ? La réponse est non, même si, à la manière d'un clin d'oeil, le grand Clint confirme que le temps passe dans une scène où il s'exhibe torse nu. Eastwood montre à nouveau une très grande maîtrise de la réalisation, mais Jugé coupable est loin de compter parmi ses meilleurs films. En tant qu'acteur, il livre l'une de ses plus divertissantes interprétations. Le scénario, bâti autour d'un sujet fort, est sans faille. Pour la petite histoire, la propre fille de Clint Eastwood, Francesca Fisher-Eastwood, joue la fille de Steve Everett. Sa mère, Frances Fisher, fait également une brève apparition en procureur. -Richard T. Jameson.

Un homme marqué par la guerre du Vietnam, sombre dans la folie et veut vivre près des oiseaux. Son ami tentera de l'aider en revivant avec lui certains souvenirs datant de leur amitié, avant que la guerre ne les sépare.

Frank Ramsey, le commandant du plus puissant sous-marin nucléaire, engage pour le seconder un jeune officier, Ron Hunter. Leur mission : se rendre près des côtes soviétiques et anéantir les sous-marins des nationalistes radicaux russes pour les empêcher de déclencher une 3ème Guerre Mondiale. Après avoir localisé un vaisseau ennemi, le vétéran américain et son jeune officier reçoivent le début dun message quils ne pourront pas décoder jusquau bout. la transmission est interrompue. Ramsey décide quand même dexpédier les missiles. Hunter sy oppose et décide de prendre en main le sous-marin. Aidé de quelques officiers, le chef de la troupe organise une mutinerie pour reprendre les commandes. Dans un huis clos étouffant, Tony Scott, roi de l'action avec Le Dernier Samaritain ou Le Flic de Beverly Hills 2, met en images un véritable duel entre les deux monstres sacrés que sont Gene Hackman et Denzel Washington, et offre un petit cours d'histoire musclé sur les tensions entre USA et URSS. [+]