Star du rap américain, Eminem a parfaitement réussi ses débuts au cinéma avec 8 Mile, signé Curtis Hanson (oscarisé pour L. A. Confidential). Il faut dire que ce musicien hautement controversé avançait en terrain connu, puisque le film s'inspire très largement de sa propre histoire. Jimmy Smith Jr. vit dans une banlieue entre quartiers blanc et noirs et a des rêves plein la tête. Il participe à une joute oratoire de rappeurs et reste paralysé par le trac. Piqué au vif, il va tout tenter pour vivre sa passion et se sortir de son existence pénible entre une mère dépressive et instable, et le manque d'argent. On pense énormément à Rocky en assistant à la maturation du personnage, qui s'effectue dans la douleur. Curtis Hanson colle au personnage incarné à la perfection par Eminem qui lui apporte un charisme incroyable. [+]

"Camille Claudel, c'est l'énigme d'un talent brisé", c'est ainsi qu'Isabelle Adjani définissait son personnage à sa sortie en 1989. Après cinq ans d'attente – mis à part un caméo dans Subway –, elle n'avait quasiment rien tourné depuis L'Été meurtrier. La comédienne signait là son retour, avec flamboyance, démesure et grâce. Passion amoureuse, pulsion créatrice, ascension, chute dans l'isolement, l'incompréhension et la folie, on comprend aisément qu'un tel rôle ait pu fasciner l'interprète d'Adèle H et de La Reine Margot au point d'y consacrer trois ans de sa vie. Elle y est sublime, forcément sublime. Histoire d'amour entre ces deux artistes d'exception que sont Auguste Rodin et Camille Claudel, le projet ne souffrait d'aucune demi-mesure, d'aucune approximation, d'aucune préciosité. En parvenant à réaliser une fresque à la hauteur des espoirs qu'il suscitait, Bruno Nuytten – chef opérateur de Fort Saganne, Tchao Pantin, Jean de Florette – fait une entrée en fanfare dans la cour des grands. Dès son premier film. Trois heures d'émotion haute tension, électrifiées par le couple Adjani-Depardieu, sous la caméra admirative d'un véritable sculpteur d'images. Camille Claudel a obtenu cinq césars en 1989, dont ceux du meilleur film et de la meilleure actrice. [+]

Le Sunset Boulevard du IIIe millénaire ? Impossible de ne pas évoquer le chef-d'œuvre de Billy Wilder pour rendre compte de cette œuvre dense et poétique, qui bouscule les conventions cinématographiques pour le plus grand plaisir de nos yeux, de nos sens et de notre intelligence. Comme tous les grands films de Lynch, Mulholland Drive déchire le voile des apparences : derrière l'intrigue rassurante de la succes story d'une starlette hollywoodienne, se cache un fascinant voyage au bout de la nuit, un enivrant cauchemar labyrinthique entre rêve et réalité ; où se télescopent une brune amnésique et une jeune blonde aux portes de la gloire. D'abord conçu comme un pilote de série télévisée, Mulholland Drive appelle la comparaison avec Twin Peaks, tandis que la figure de la dualité féminine évoque Lost Highway et Blue Velvet. Maîtrisé de bout en bout, le 9e film de l'auteur d'Eraserhead a tout pour devenir le premier chef-d'œuvre de ce millénaire : le regard ironique d'un cinéaste en pleine possession de ses moyens ; des comédiennes inconnues désormais élevées au rang d'icônes cinématographiques (Naomi Watts et Laura Elena Harring) ; une musique à la fois envoûtante, entêtante et voluptueuse, que l'on doit à Angelo Badalamenti ; le souvenir tenace et hypnotique que procure la vision renouvelée de ce tissu de rêves "étranges et pénétrants", entre plaisir et mystère, jouissance et horreur. Mulholland Drive a obtenu le prix de la mise en scène Cannes 2001. -Sylvain Lefort.

Réalisé entre Badlands et La Ligne rouge, Les Moissons du ciel est un admirable poème cinématographique fulgurant, lyrique et contemplatif, sauvage et beau. Poursuivant ses recherches photographiques et picturales, Terrence Malick évoque tour à tour le cinéma des grands anciens – L'Aurore, de Murnau ; La Nuit du chasseur, de Laughton – et la peinture américaine d'Edward Hopper. Tourné dans les grandes plaines de l'Alberta, et en lumière naturelle – travail stupéfiant du Français Nestor Almendros, le chef opérateur de Truffaut –, le film confronte les splendeurs d'une nature vivante et grouillante aux aspirations dérisoires et futiles d'un groupe de migrants échappés de l'univers urbain de Chicago du début du siècle. Cela reste à ce jour le plus beau rôle de Richard Gere, entouré du minéral Sam Shepard, de la rayonnante Brooke Adams, et de la mélancolique Linda Manz, qui prête sa voix-off au récit pour en accentuer la triste beauté et la déchirante nostalgie. -Sylvain Lefort.

À la fois enquête sur une disparition et chronique de nos petits arrangements avec les morts, De beaux lendemains marque l'éclatante évolution du cinéma d'Atom Egoyan : tout en approfondissant ses ambitions formelles, il accorde davantage d'attention au cadre naturel et à l'émotion. Tourné en scope, dans les magnifiques paysages enneigés de la Colombie britannique, De beaux lendemains poursuit le sillon entamé dans Exotica : tous deux parlent de la famille, des enfants, du chagrin, du deuil, de la culpabilité et de la communauté. Et de la manière d'y survivre, individuellement ou collectivement. En adaptant le magnifique roman de Russel Banks à l'écran, le cinéaste canadien a trouvé le sujet idéal à son formidable talent stylistique, que ce soit à propos de la conduite du récit – on relève de multiples strates temporelles, mais sans jamais en perdre le fil ; de l'univers visuel – contraste entre les tonalités lumineuses froides (bleus, blancs) et intimes chaudes (marrons, ocres) ; ou du sujet lui-même, qui lui permet de juxtaposer des éléments réalistes et poétiques, comme l'allusion directe au joueur de flûte de Hamelin. Autant d'éléments qui concourent à la beauté formelle et l'émotion diffuse d'une œuvre riche et dense, à la croisée des cinémas de John Ford et David Lynch, qui a remporté le Grand Prix spécial du jury à Cannes en 1997. -Sylvain Lefort.

Au XVIe siècle, dans le Japon féodal, plongé dans une violente guerre des clans, le seigneur vieillissant Hidetora Ichimonji, propose, après une partie de chasse, de partager son fief et ses trois châteaux entre ses trois fils, Taro, Jiro et Saburo… En s'inspirant directement du Roi Lear de Shakespeare, Akira Kurosawa livre un des ses films les plus achevés et esthétiquement aboutis. Le grand réalisateur nous offre un film épique, baroque, sanglant, sur la folie des hommes et leur insatiable soif de pouvoir, sur fond de batailles titanesques et violentes. Un DVD à la taille de l'entreprise, qui rend hommage au chef-d'œuvre du cinéaste japonais : un superbe documentaire sur Kurosawa signé Chris Marker, une interview du réalisateur, un autre documentaire sur le Japon samouraï… Un très bel objet cinéphile pour un film mémorable ! -Jean-Pascal Grosso.