Le deuxième film américain – après Lawrence d'Arabie – du producteur et réalisateur David Lean s'inscrit dans la lignée des grandes épopées historiques hollywoodiennes des années soixante. Une chose est sûre, Le Docteur Jivago n'usurpe pas son titre de fresque à grand spectacle et, si l'académisme du cinéaste britannique apparaît aujourd'hui un peu vieillot, ce film fleuve restera dans les mémoires pour la splendeur de ses costumes et la grandiloquence de ses décors. Des fastes du Moscou tsariste au bord du chaos révolutionnaire à l'écrasante immensité des steppes de Russie, la mise en scène de David Lean, magnifiée par la photo de Freddie Young, immortalise en des séquences inoubliables, les destins croisés des personnages de Boris Pasternak. Les accents lyriques de la musique composée par Maurice Jarre et la présence charismatique d'Omar Sharif achèveront de faire du Docteur Jivago un immense succès populaire doublé de l'une des plus belles réussites commerciales de la MGM avec Ben Hur et Autant en emporte le vent. -Arnaud Caire.

Arthur, soixante ans, est marié depuis de longues années avec Eve. Ensemble, ils ont eu trois filles. Eve avait cru parvenir à donner un sens à la vie en créant pour ceux qu'elle aimait, le décor d'intérieur le plus harmonieux possible. Elle avait donné à cette création un prolongement professionnel et était devenue décoratrice. Cependant son goût obsessionnel pèse sur sa famille ainsi qu'une grave crise de dépression qu'elle traverse. Arthur est arrivé à un point de rupture et ne peut plus supporter sa femme.

Premier film maudit du réalisateur de Citizen Kane, La Splendeur des Amberson n'en est pas moins un véritable chef-d'œuvre. D'après un roman de Booth Tarkington, mis en ondes par Welles lui-même en 1939, le film a été remonté par ses producteurs de la RKO, et renié par son réalisateur jusqu'à sa mort. Et pourtant, quelleœ splendeur ! Outre les plans-séquences légendaires – le dialogue en calèche, le bal –, le film réalise un tour de force : raconter une saga familiale sur deux générations, en à peine 1 heure 30 là où un Coppola, par exemple, a besoin de 9 heures pour traiter un sujet similaire dans sa trilogie du Parrain. Entouré de ses plus fidèles collaborateurs – Joseph Cotten à l'interprétation, Robert Wise au montage, Bernard Herrman à la musique – Orson Welles réussit la plus rare des fusions entre une histoire d'amour, une histoire de famille et l'histoire d'une société, celle des États-Unis à la fin du XIXe siècle. Enfin, bien qu'absent de la distribution, Welles n'a pas pu s'empêcher d'intervenir dans la narration, tel un deus ex machina, à travers une voix-off ténébreuse. Manière d'affirmer son emprise sur son œuvre, malgré son tragique destin. -Sylvain Lefort.

Ah qu'il est loin le temps où Alain Delon ne parlait pas encore de lui à la troisième personne et où il savait se montrer pugnace, audacieux et courageux ! Et se révélait un acteur à la fois mystérieux et bouleversant, tel ce Monsieur Klein, où il retrouve pour la deuxième fois "Jo" Losey, après L'Assassinat de Trotsky. Situé dans le Paris de l'Occupation, en 1942, Monsieur Klein relate la quête d'identité d'un amateur d'art, dans une atmosphère fantastique à mi-chemin entre Kafka et Borges. Couloirs obscurs, château mystérieux, chuchotements, regards obliques, paranoïa diffuse, Losey parvient avec une rare maestria à retranscrire l'atmosphère trouble de l'Occupation. Car il n'occulte rien : ni l'antisémitisme – ne pas manquer la première séquence, qui fait froid dans le dos – ni le port de l'étoile jaune, ni Drancy, ni la participation de la police française à la Rafle du Vel d'Hiv. À la fois précieuse reconstitution historique et quête d'identité labyrinthique, à la lisière du fantastique, entre cauchemar et absurdité, tragique et désespoir, c'est là une des plus fortes compositions d'Alain Delon et l'un des plus grands films de son réalisateur, qui inaugurait avec ce coup de maître une période française mitigée – La Truite, Don Giovanni, Les Routes du Sud. À l'actif de ce chef-d'œuvre, il faut également saluer le travail d'Alexandre Trauner – Les Enfants du paradis – qui obtint un césar pour les décors, et de Gerry Fisher à la lumière, fidèle complice de Losey, notamment sur Le Messager et Accident. Outre celui de Trauner, Monsieur Klein a obtenu deux césars en 1977 : celui du meilleur film et celui du meilleur réalisateur pour Losey. -Sylvain Lefort.

En plein c?ur de l?Amérique des années 30, victime de la Grande Dépression, l?odyssée sanglante de Bonnie Parker et Clyde Barrow défraya la chronique par leurs braquages audacieux et leurs meurtres sordides. La fuite effrénée de ce couple légendaire poursuivi par toutes les forces de police du pays se terminera dans le sang.

Consumé par la rage, le Capitaine Achab n'a qu'un but dans la vie, se venger de Moby Dick, une baleine blanche gigantesque qui l'a défiguré et handicapé. Aux commandes de son baleinier, Achab navigue infatigablement sur les 7 mers de la planète à la poursuite de sa proie. Obsédé, le capitaine retrouve finalement la grande baleine blanche. Une confrontation implacable commence entre Achab et Moby Dick.

Tourné en moins d'un mois, c'est le film de la "nouvelle vague" par excellence. Ne serait-ce que parce qu'il réunit Jean-Luc Godard à la caméra, François Truffaut au scénario et Claude Chabrol comme conseiller technique. Si À bout de souffle s'inscrit dans le registre du polar, c'est d'une manière bien à lui. Ici, ni mystère ni suspense. Seuls quelques aspects surnagent – le chapeau de Belmondo, les belles voitures, la figure de Bogart – ainsi que quelques scènes d'action (la filature de Poiccard, le meurtre du policier). La nouveauté radicale vient de ces longues scènes entre Michel et Patricia (Bebel et Jean Seberg rayonnants) sur les Champs-Elysées, dans leur chambre d'hôtel ou dans l'appartement de la Suédoise. Mais la véritable originalité et la beauté envoûtante du film tiennent aussi à un parti pris novateur de mise en scène : caméra portée sur l'épaule, tournage en décors naturels, son direct. D'où cette impression de liberté et d'improvisation, renforcée par la musique du jazzman Martial Solal. D'où également la déclaration d'amour du metteur en scène de Pierrot le fou pour Paris. Les Champs-Elysées, le Quartier latin, la rue Campagne-Première, rarement la ville n'aura été captée avec autant de grâce et de vérité. [+]

Perçu comme un film décevant à sa sortie, Pas de printemps pour Marnie a, depuis, vu sa réputation grandir. Car même s'il peut être considéré comme un Hitchcock mineur, il n'en reste pas moins un film fascinant. Tippi Hedren incarne Marnie, une voleuse compulsive qui ne supporte pas d'être touchée par un homme et qui devient folle à la vue du rouge. Intrigué par ce comportement névrotique, le psychiatre Mark Rutland entreprend de la soigner. La relation complexe qui unit les deux personnages les fait évoluer sur le terrain des névroses, de la sexualité, et du fétichisme. Sean Connery prête son charisme au psychiatre, tandis que le compositeur Bernard Herrmann, alter ego d'Hitchcock, collabore pour la dernière fois avec le Maître. -Christophe Gagnot.

…ou la théorie du chaos transposé dans le Japon médiéval du XVIe siècle. Librement adapté du Roi Lear de Shakespeare, ce grandiose film à costumes permet à Akira Kurosawa de reconstituer dans le moindre détail toute une époque par le biais des costumes, des décors, des paysages, du langage, des rites et des codes. Une prodigieuse actualisation de la tragédie shakespearienne qui, pour son 28e film, donne l'occasion au cinéaste du Château de l'araignée et de Dersou Ouzala de dresser un tableau sombre de l'humanité dans un cadre fulgurant de beauté. Les scènes de bataille, aussi cruelles soient-elles, laissent littéralement pantois. Des visions d'apocalypse reconstituées à la manière d'un Brueghel ou d'un Ucello. De cette tragédie filmée du point de vue d'un dieu cruel et absent, il nous reste des séquences inoubliables : le château proie des flammes, la fuite et l'errance du roi, la chasse au sanglier, entre autres. Le tout dans une nature au diapason : atmosphérique, nuageuse, volcanique. Enfin, dans le rôle de ce Lear japonais, Tatsuya Nakadai, que Kurosawa venait de diriger dans Kagemusha, se révèle exceptionnel : au sein de cette fresque flamboyante, son jeu intérieur, approfondi séquence après séquence, lui permet d'habiter son personnage avec une réelle intensité et une réelle authenticité. Un chef-d'œuvre, tout simplement, que l'on doit à l'un des plus grands cinéastes mondiaux, épaulé pour l'occasion par le producteur français Serge Silberman. -Sylvain Lefort.