Une histoire d'amour et de passion sur fond de guerre de Sécession, un couple de légende, un film mythique : rarement le cinéma n'aura trouvé d'écrin plus glamour que cette immense fresque. Il suffit d'évoquer Scarlett O'Hara – incarnée avec passion par Vivien Leigh –, Rhett Butler – magnifié par le flegme et le charme de Clark Gable – la ville d'Atlanta livrée aux flammes, les cueillettes de coton dans la plantation de Tara, le caractère effronté des personnages – "Je m'en fiche comme d'une guigne !" – la richesse chromatique des couleurs due à Ernest Haller, la musique de Max Steiner, l'épopée du tournage – un film à lui tout seul, qui usa quatre réalisateurs, avec un producteur mégalomane, David O. Selznick, sans l'énergie duquel ce film flamboyant n'existerait pas – pour que décidément la légende opère encore et toujours… À l'arrivée, 3 heures 40 de pellicule, une pluie d'oscars – onze, record que seul Titanic près de soixante ans après viendra égaler – un immense succès, et le rêve de Selznick quasiment réalisé : "Faire le plus beau film du monde. " -Sylvain Lefort Des générations entières ont dévoré le roman de Margaret Mitchell dont est adapté ce film. Si les décors, les couleurs paraissent aujourd'hui démodés, Autant en emporte le vent reste un monument, surpassant de loin certaines productions beaucoup plus modernes… Durant la guerre de Sécession, Scarlett O'Hara accepte, par dépit, la demande en mariage du premier venu. Mais, sa route croise celle du séduisant Rhett Butler. Cette histoire, on la connaît tous et le DVD nous en offre une copie magnifiquement restaurée. Les images sont superbement définies, les couleurs éclatantes et la piste sonore, remixée en 5. 1 en français comme en anglais, des plus vivantes. La longueur du film (224 min !) impose de retourner le disque en milieu de programme. [+]

Une fresque de toute beauté, à l'instar des Sept Samouraïs, de Ran et du Château de l'araignée du même auteur. Sur la thématique qui traverse toute son œuvre – le motif du double, du Kagemusha, littéralement "l'homme sans ombre" – Akira Kurosawa nous offre là la matrice de toute sa production cinématographique. Beauté et férocité des tableaux, réflexion à la fois ironique et désabusée sur la conquête du pouvoir, sens esthétique flamboyant – des batailles à couper le souffle, dignes des tableaux d'Uccello – maîtrise de la mise en scène – inoubliable plan-séquence inaugural de 6 minutes –, Kagemusha, offre, en deux heures et demie, la quintessence du style d'un des plus grands metteurs en scène du cinéma. Situé dans le Japon du XVIe siècle, ce conte aux accents shakespeariens doit son existence en partie à George Lucas et Francis Ford Coppola. Sans eux, jamais le réalisateur de Rashomon n'aurait pu mener à bien cette flamboyante fresque, qui annonce à bien des égards son film suivant, Ran. Kagemusha a obtenu la Palme d'Or Cannes 1980, ex æquo avec All That Jazz et le césar du meilleur film étranger 1980. -Sylvain Lefort.

Au XVIe siècle, dans le Japon féodal, plongé dans une violente guerre des clans, le seigneur vieillissant Hidetora Ichimonji, propose, après une partie de chasse, de partager son fief et ses trois châteaux entre ses trois fils, Taro, Jiro et Saburo… En s'inspirant directement du Roi Lear de Shakespeare, Akira Kurosawa livre un des ses films les plus achevés et esthétiquement aboutis. Le grand réalisateur nous offre un film épique, baroque, sanglant, sur la folie des hommes et leur insatiable soif de pouvoir, sur fond de batailles titanesques et violentes. Un DVD à la taille de l'entreprise, qui rend hommage au chef-d'œuvre du cinéaste japonais : un superbe documentaire sur Kurosawa signé Chris Marker, une interview du réalisateur, un autre documentaire sur le Japon samouraï… Un très bel objet cinéphile pour un film mémorable ! -Jean-Pascal Grosso.

Bien des décennies avant que l'industrie hollywoodienne du film ne se distingue par des désastres financiers et de colossales productions de science-fiction, les studios de la Californie du Sud (et plus particulièrement ceux de la Metro Goldwyn Mayer) étaient célèbres pour leurs comédies musicales, phénomène cinématographique typiquement américain (et en voie de disparition). Ce n'est pas seulement un grand spectacle de danses et de chansons dans lequel figurent Gene Kelly, Donald O'Connor et la fringante Debbie Reynolds mais aussi une truculente parodie de la transition du cinéma muet au parlant. Kelly incarne Don Lockwood, une vedette débonnaire et Jean Hagen incarne Lina Lamont sa partenaire dont la voix ridicule mais hilarante ne semble pas tout à fait correspondre aux nouvelles technologies et à son image glamour. Parmi les plus grands moments musicaux du film, on retiendra le merveilleux "Make 'Em Laugh", l'impressionnant "Broadway Melody" et bien sûr le mythique "Singin' in the Rain" dans lequel Kelly touche au sublime avec pour seuls accessoires un décor détrempé, un lampadaire et un parapluie. -Jim Emerson.

Les penchants satiriques de l'auteur Peter Shaffer et du réalisateur Milos Forman (Vol au-dessus d'un nid de coucou) sont parfaitement exploités dans ce film plusieurs fois primé aux Oscars, adapté de la pièce à succès de Peter Shaffer. Amadeus décrit la rivalité opposant deux musiciens à la cour de l'empereur autrichien Joseph II : le compositeur officiel Antonio Salieri (F. Murray Abraham), et un prodige, plus jeune mais plus talentueux, Wolfgang Amadeus Mozart (Tom Hulce). Salieri a secrètement en horreur la personnalité de Mozart, sa grossièreté et son immaturité, mais il est aussi abasourdi par la beauté de ses compositions. Face à un tel génie, Salieri se sent rongé par la jalousie et le mal-être, bien qu'il soit dans une position unique pour reconnaître et faire cultiver le talent de son jeune rival. Qu'une musique aussi belle puisse émaner d'un être aussi vulgaire apparaît à Salieri comme l'un des tours les plus cruels de Dieu, et le fait plonger dans la folie. Amadeus joue sur les contrastes entre des détails particulièrement soignés sur l'époque et un ton très contemporain et très peu compassé dans les dialogues et l'interprétation : tout cela pour rappeler que, avant de devenir des légendes, les génies sont des êtres humains. Jeffrey Jones, mieux connu sous les traits du proviseur de Ferris Bueller, est particulièrement remarquable dans le rôle de l'empereur empoté qui parle avec la voix d'un cadre moyen. Milos Forman reçut l'Oscar du meilleur réalisateur, F. Murray Abraham celui du meilleur premier rôle masculin, et le film se vit décerner le titre de meilleur film et de meilleur scénario. [+]

Franck, ambulancier à Los Angeles, est appelé au chevet de Catherine Tremayne, asphyxiée au gaz. Elle soupçonne une tentative d'assassinat, mais la police retient l'hypothèse de l'accident. Franck tombe sous le charme de Diane, la belle-fille de Catherine, et accepte peu après de devenir le chauffeur de la famille Tremayne… Film magnifique d'Otto Preminger, que beaucoup jugent supérieur à Laura, Un si doux visage mêle avec brio le romantisme et le polar, offrant à Robert Mitchum l'un des plus beaux rôles de sa carrière, celui d'un homme qui, par amour, s'enfonce inexorablement dans une spirale infernale. Encore un grand film – noir, très noir – de la RKO, disponible en DVD grâce à l'opiniâtreté des éditions Montparnasse. -David Rault.

Dans cette édition collector de très belle qualité, un documentaire consacré à ce grand classique de la comédie musicale hollywoodienne éclaire le travail du réalisateur (Robert Wise, qui a tourné des films dans tous les genres, y compris le fantastique et la science-fiction), du chorégraphe (Jerome Robbins, ici coréalisateur), du compositeur de la bande originale (Leonard Bernstein écrivit une partition lyrique et sur mesure qui n'a pas pris une ride) et, surtout, des acteurs (dont la géniale Natalie Wood au destin tragique, aussi belle et habitée que chez Elia Kazan). De quoi mettre l'eau à la bouche et donner envie de revoir cette transposition libre de l'histoire de Roméo et Juliette dans le Harlem des années 60. Des décors aux chorégraphies, ce long métrage a marqué son époque, et influencé par exemple Jacques Demy avant qu'il réalise Les Demoiselles de Rochefort et Les Parapluies de Cherbourg. -Hervé Comte.

Orson Welles "aborde chaque film comme s'il était son premier, et devait être aussi son dernier, avec l'enthousiasme d'un homme qui découvre le cinéma et, tout à son émerveillement, le réinvente du même coup". Qu'ajouter aux propos que consacrent les auteurs de l'indispensable 50 ans de cinéma américain, Bertrand Tavernier et Jean Pierre Coursodon, à l'auteur de Citizen Kane ? Chef-d'œuvre d'un jeune homme de vingt-cinq ans qui signe là son premier film, cette biographie (à peine voilée) du magnat de la presse, Randolph Hearst, n'a pas fini de livrer ses secrets. Audace de sa construction en flash-back, polyphonie narrative, culot d'une mise en scène qui élève au rang de plan ultime la moindre profondeur de champ, maîtrise d'un montage qui amplifie les leçons d'Eisenstein, Orson Welles donne avec son grand œuvre tout son génie créatif. Au point de l'épuiser, comme l'atteste sa production ultérieure – 12 films fulgurants, parfois chaotiques et foutraques. Comme si les effets magiques du fameux Rosebud n'avaient duré que le temps d'un film. Et quel film ! Heureux ceux qui n'ont pas encore été touchés par les effluves de ce bouton de rose et qui n'ont pas encore foulé le palais de Xanadu… Car, comme le résumait Jean Gabin à Michel Audiard en découvrant le film vingt ans après sa sortie : "Celui-là, vous avez dû le sentir passer. " -Sylvain Lefort.

Casablanca est un chef-d'œuvre de perfection qui éblouira encore de nombreuses générations à venir. Mêlant une intrigue amoureuse unique d'une grande subtilité aux enjeux de la Seconde Guerre mondiale, le film aborde également la question des choix que chacun est obligé de faire lors de périodes troublées. Il offre à Humphrey Bogart un rôle bouleversant, celui d'un homme dont les certitudes vacillent avec la réapparition de son ancienne maîtresse (Ingrid Bergman, éblouissante), accompagnée de son mari Paul Heinreid. Opposant dans un premier temps la passivité de Bogart à l'héroïsme d'Heinreid, le film de Michael Curtiz réunit finalement ses protagonistes de la plus belle façon qui soit. Claude Rains, Sydney Greenstreet, Peter Lorre, Conrad Veidt et Marcel Dalio forment ce qui est peut-être la plus belle distribution de seconds rôles de l'histoire d'Hollywood. Répétons-le, Casablanca est certainement un des films les plus brillants jamais réalisés. -Tom Keogh.

Inspiré d'un fait divers, qui a lui-même inspiré la nouvelle d'Honoré de Balzac L'Auberge des Adrêts, L'Auberge Rouge reste un des meilleurs films de son réalisateur. Cette farce truculente sur la cupidité, le hasard et fortune, a d'ailleurs subi les foudres du clergé à sa sortie, et le tournage émaillé de brouilles à répétitions, le producteur, par ailleurs marchand de canons, croyant financer une œuvre morale ! Ce film représente à la perfection ce que d'aucuns dénoncèrent comme la "Qualité française" : un solide scénario, des dialogues au cordeau que l'on doit aux duettistes Aurenche et Bost, une distribution irréprochable. Impossible de ne pas se délecter devant ce couple d'aubergistes cupides formé par Françoise Rosay – La Kermesse héroïque – et Julien Carette – La Grande illusion – ; ni de s'esclaffer devant les petits arrangements que s'octroie le capucin – Fernandel – avec la morale. Autre caractéristique du style Qualité française : des seconds rôles campés avec délice, de Jacques Charon à Jean-Roger Caussimon, en passant par Dalibert ou Grégoire Aslan. Une vision caustique du genre humain, qui n'est pas sans rappeler celle d'un Céline, et que le réalisateur portera à son apogée avec La Traversée de Paris. -Sylvain Lefort.