Deux paysans, Claude Ratinier et Francis Chérasse vivent coupés du monde extérieur, le "Glaude" regrettant sa femme Francine, décédée. Un soir qu'ils ont bu, ils voient se poser dans leur jardin une soucoupe volante. Ils se lient d'amitié avec l'extra-terrestre qui en descend et le surnomment "la Denrée". Claude lui offre une soupe aux choux qui servira de lien entre la Terre et les habitants d'Oxo. On est assez loin du livre de René Fallet dans cette adaptation signée par l'un des spécialistes ès comédie de l'époque, "assisté" par un Louis de Funès qui a en fait réalisé une bonne partie du film. Loin de Fallet, mais qu'importe : rien ne doit être pris au sérieux dans cette bouffonnerie, surtout pas la peinture du monde rural ! Et les numéros de Louis de Funès ("le Glaude"), Jean Carmet ("le Bombé") et Jacques Villeret ("la Denrée" et ses inoubliables borborygmes !) sont réellement réjouissants. -Louis Roux.

Supercalifragilisticexpialidocious. Mystérieux et quasi imprononçable, le mot est resté à tout jamais dans l'esprit des chanceux qui ont vu Mary Poppins, une des plus grandes réussites des studios Walt Disney. Deux heures cinquante de bonheur musical mené par Julie Andrews, parfaite dans le rôle d'une nounou aux pouvoirs magiques qui descend du ciel avec un parapluie pour s'occuper de deux jeunes chenapans, Jane et Michael. Mary Poppins mérite son appellation de classique puisqu'il s'agit d'un film qui ne vieillit pas. Ainsi, lorsque la nounou et son ami Bert entraînent les enfants dans un univers de dessin animé, on reste stupéfait devant la modernité du mélange animation/personnages réels. La magie Disney agit grâce à des chansons inoubliables qui font du film une parfaite comédie musicale, des acteurs drôles, de grands moments d'émotion, et surtout une histoire où la magie tient un rôle primordial. Une magie qui entraîne les adultes dans un univers oublié, et les enfants dans un monde rêvé. Un Disney essentiel ! - Marc Maesen.

"Faut reconnaître : c'est du brutal !" Trafic d'alcool et casino, amitié virile et femmes légères, règlements de comptes et code de l'honneur, tous les clichés du film noir sont rassemblés ici pour être ventilés, éparpillés, brisés menu. Adapté d'une série noire d'Albert Simonin (Touchez pas au grisbi, c'est déjà lui), servi par des dialogues mitonnés au cordeau par Michel Audiard, le film de Georges Lautner réunit un casting historique : Bernard Blier, "audiardien" en diable ; Lino Ventura en vrai dur au cœur tendre ; Francis Blanche, plus loufoque que jamais, Jean Lefebvre en Droopy flingueur, sans oublier Robert Dalban et Claude Rich. Troisième au box-office de l'année 1963, ce succès incite la fine équipe à remettre le couvert l'année suivante, pour une parodie tout aussi ahurissante, Les Barbouzes. Grâce à ces Tontons flingueurs, devenus cultissimes, Michel Audiard s'impose comme le Shakespeare de l'argot parisien. -Sylvain Lefort.

Alaska, 1898. C'est la ruée vers l'or dans les montagnes enneigées du Grand Nord. Charlot fait partie des pionniers. Animé d'un esprit bien peu mercantile, il se retrouve très vite en décalage avec les autres prospecteurs venus chercher fortune. Il est bien plus intéressé par la fortune du cœur et son Graal bientôt symbolisé par Georgia. La Ruée vers l'or est tout en nuances intérieures. Le tragique s'intègre au comique : les scènes les plus drôles sont aussi celles où les tourments intérieurs du personnage sont les plus intenses. Le génie du cinéaste et son sens du gag font merveille lors d'un festin savoureux composé d'une chaussure bouillie, ou d'une inoubliable danse des petits pains, véritable moment de magie du septième art. Quand il ne met pas en boîte la faim ou les affrontements, Chaplin révèle les effets déshumanisants de la convoitise, lorsqu'ils entravent les élans du cœur. L'interprétation de Chaplin est extraordinaire : jouant avec toutes les parties de son corps, il use aussi de tout ce qui navigue dans son périmètre (divers accessoires ou éléments du décor). [+]

Inspiré d'un fait divers, qui a lui-même inspiré la nouvelle d'Honoré de Balzac L'Auberge des Adrêts, L'Auberge Rouge reste un des meilleurs films de son réalisateur. Cette farce truculente sur la cupidité, le hasard et fortune, a d'ailleurs subi les foudres du clergé à sa sortie, et le tournage émaillé de brouilles à répétitions, le producteur, par ailleurs marchand de canons, croyant financer une œuvre morale ! Ce film représente à la perfection ce que d'aucuns dénoncèrent comme la "Qualité française" : un solide scénario, des dialogues au cordeau que l'on doit aux duettistes Aurenche et Bost, une distribution irréprochable. Impossible de ne pas se délecter devant ce couple d'aubergistes cupides formé par Françoise Rosay – La Kermesse héroïque – et Julien Carette – La Grande illusion – ; ni de s'esclaffer devant les petits arrangements que s'octroie le capucin – Fernandel – avec la morale. Autre caractéristique du style Qualité française : des seconds rôles campés avec délice, de Jacques Charon à Jean-Roger Caussimon, en passant par Dalibert ou Grégoire Aslan. Une vision caustique du genre humain, qui n'est pas sans rappeler celle d'un Céline, et que le réalisateur portera à son apogée avec La Traversée de Paris. -Sylvain Lefort.

Peut-être le firmament de la carrière de George Cukor. Mélange de mélodrame et de musical, Une étoile est née est un autoportrait cruel et flamboyant d'Hollywood. Dans un écrin somptueux – technicolor, couleurs flamboyantes – ce joyau noir porte un coup fatal à ce miroir aux alouettes qu'est l'entertainment made in USA. Mais il le fait avec la grâce éblouissante et l'ampleur visuelle qu'on connaît à l'auteur de My Fair Lady, Women et du Roman de Marguerite Gautier. Remake d'un film insipide de William Wellman (1937), cette œuvre colossale reste également un document exceptionnel sur une de ces stars au destin tragique, dont la carrière éphémère a marqué de manière indélébile l'histoire du cinéma : Judy Garland, autrefois enfant adulé d'Hollywood grâce au Magicien d'Oz. Elle livre ici sa composition la plus brûlante, la plus vraie et la plus personnelle. En star en pleine ascension qui aime passionnément un mari-Pygmalion suicidaire et alcoolique, elle a manqué de peu l'Oscar remporté cette année-là par Grace Kelly pour le dispensable Une fille de province. On n'est en tout cas pas près d'oublier l'harmonie qu'elle suscite en entonnant ses différents morceaux, notamment The Man That Got Away et surtout Somewhere, There's Someone. Face à elle, James Mason – La Mort aux trousses, L'Affaire Ciceron, Lolita – en acteur sur le déclin bouleverse tout autant. Un chef-d'œuvre incontestable, mutilé à sa sortie, réhabilité par ce somptueux DVD. [+]

"Faut reconnaître : c'est du brutal !". trafic d'alcool et casino, amitié virile et femmes légères, règlements de comptes et code de l'honneur, tous les clichés du film noir sont rassemblés ici pour être ventilés, éparpillés, brisés menu. Adapté d'une série noire d'Albert Simonin (Touchez pas au grisbi, c'est déjà lui), servi par des dialogues mitonnés au cordeau par Michel Audiard, le film de Georges Lautner réunit un casting historique : Bernard Blier, "audiardien" en diable ; Lino Ventura en vrai dur au coeur tendre ; Francis Blanche, plus loufoque que jamais, Jean Lefebvre en Droopy flingueur, sans oublier Robert Dalban et Claude Rich. Troisième au box-office de l'année 1963, ce succès incite la fine équipe à remettre le couvert l'année suivante, pour une parodie tout aussi ahurissante, Les Barbouzes. Grâce à ce Tontons flingueurs, devenu cultissime film-culte, Michel Audiard s'impose comme le Shakespeare de l'argot parisien. -Sylvain Lefort.

D'où vient donc l'immense plaisir que procure ce film, parfois imparfait, mais qui s'inscrit résolument dans la lignée d'Un jour à New York ou Chantons sous la pluie ? Tout d'abord, de l'étonnement de voir figurer à son générique deux des personnalités a priori les plus étrangères qui soient à l'univers de la comédie musicale, Joseph L. Mankiewicz – Le Limier, Ève, La Comtesse aux pieds nus – et Marlon Brando – Le Parrain, Le Dernier Tango à Paris, Sur les quais. Pour leur unique incursion dans le genre, ils nous offrent un formidable spectacle entre réalisme et artifice. Située à New York et à La Havane, l'action nous plonge dans l'univers interlope des tripots et des mauvais garçons, et dans celui bien-pensant des associations caritatives et des pures jeunes filles. Le brio d'une narration dont l'issue ne repose que sur une partie de dés fait le reste. Enfin, chansons de Franck Loesser et ballets de Michael Kidd agissent comme par miracle, pour un résultat qui n'est pas sans annoncer un autre fleuron du genre, West Side Story. -Sylvain Lefort.

Premier film du tiercé gagnant Bourvil-Funès-Oury, que rien ne prédestinait pourtant à la gloire. En 1965, lorsque Gérard Oury se lance dans l'aventure du Corniaud, il n'a à son actif que des drames, tous des échecs au box-office. Louis de Funès enchaîne les seconds rôles avec plus ou moins de bonheur. Seul Bourvil est une véritable tête d'affiche. Et pourtant, l'alchimie entre le réalisateur et ses deux acteurs va transformer cette comédie en monument. La 2CV de Bourvil qui tombe en pièces, la douche de Funès – autant de gags mémorables qui figurent au panthéon du cinéma comique français. À quoi il faut ajouter la rigueur d'un scénario ciselé de main de maître par Gérard Oury et Marcel Jullian, aidés par Danièle Thompson et dont la structure repose sur l'enchevêtrement du burlesque, du buddy movie (film de potes) et du road movie. Indémodable. -Sylvain Lefort.

Sorti en 1940, Le Dictateur est à la fois une œuvre visionnaire et une farce grinçante. À la politique de haine exprimée par le dictateur nazi, Chaplin oppose ici son humour de la façon la plus magistrale qui soit. Ulcéré par leurs points communs – les deux hommes sont nés à quelques jours d'intervalle et Hitler, comme Chaplin se plaisait à le rappeler avec hargne, avait "volé" sa moustache à Charlot –, le réalisateur des Temps modernes s'emploie avec brio à ridiculiser son ennemi du moment. Pour son premier film parlant, Chaplin utilise à merveille les possibilités qui s'offrent à lui, détournant la mythologie nazie (telle que l'a immortalisée Leni Riefenstahl) pour mieux s'en moquer, et retournant l'éloquence du Führer contre lui dans un discours final d'anthologie. Ce long plaidoyer pacifiste vaudra d'ailleurs pas mal d'ennuis à Chaplin, soupçonné de sympathies communistes après la guerre. Ponctué de morceaux de bravoure restés dans les mémoires – Hynkel jonglant avec le monde, la séquence du rasage musical, Jack Oakie, grandiose, singeant Mussolini – Le Dictateur n'est sans doute pas le meilleur film de Chaplin, mais c'est un chef-d'œuvre. C'est dire le génie de celui qui admit après coup que, s'il avait connu l'ampleur des atrocités nazies, il n'aurait pu réaliser ce film plein de dérision. Ce qui aurait été dommage, comme nous le rappelle ce double DVD de très grande qualité. Image impeccablement restaurée, son remarquable, documentaire passionnant mettant en parallèle les parcours de Chaplin et Hitler, film – inédit et en couleurs ! – réalisé par le frère de Chaplin, Sidney, sur le tournage, tout concours à faire redécouvrir cette merveille dans les meilleurs conditions. -Pierre Boeldieu.