La quintessence d'un genre et d'un cinéaste au sommet de son art, qui renouvelle complètement la comédie musicale. Là où Chantons sous la pluie respire la joie de vivre, Vincente Minnelli lui apporte son goût du passé, de l'artifice, de l'exotisme, voire du fantastique onirique. Ses plus célèbres comédies musicales – Brigadoon, Ziegfeld Follies – en témoignent. Et plus encore cet Américain à Paris : couleurs, ballets, décors, tout concourt vers un plaisir esthétique unique en son genre. L'appartement de bohème, les quais de Seine, les bals populaires, entièrement reconstitués en studio, possèdent ici un charme inouï. Avec cependant une touche de poésie et de mélancolie en plus. Car que raconte cet Américain sinon les destinées parallèles de deux couples, l'un promis au bonheur, l'autre à la déception ? D'où l'étonnante tonalité de ce musical, qui laisse un goût de cendres. Qui serait d'autant plus amer s'il n'était sublimé par l'éblouissant ballet final. Dix-sept minutes de pure grâce, qui portent la comédie musicale à son apogée ! Au-delà des sublimes mélodies de George Gershwin himself, Vincente Minnelli nous entraîne dans de fabuleux tableaux directement inspirés des toiles de Renoir, Van Gogh, Toulouse-Lautrec ou Utrillo. Un éblouissement constant des yeux et des oreilles ! Un moment inoubliable, dû autant aux chorégraphies de Gene Kelly, au charme des interprètes – notamment la grâce de Leslie Caron –, au Technicolor rutilant de John Alton (travail récompensé par un Oscar en 1951), qu'à la mise en scène brillante du flamboyant metteur en scène de Les Quatre Cavaliers de l'apocalypse, Comme un torrent ou Quinze jours ailleurs. [+]

Bien des décennies avant que l'industrie hollywoodienne du film ne se distingue par des désastres financiers et de colossales productions de science-fiction, les studios de la Californie du Sud (et plus particulièrement ceux de la Metro Goldwyn Mayer) étaient célèbres pour leurs comédies musicales, phénomène cinématographique typiquement américain (et en voie de disparition). Ce n'est pas seulement un grand spectacle de danses et de chansons dans lequel figurent Gene Kelly, Donald O'Connor et la fringante Debbie Reynolds mais aussi une truculente parodie de la transition du cinéma muet au parlant. Kelly incarne Don Lockwood, une vedette débonnaire et Jean Hagen incarne Lina Lamont sa partenaire dont la voix ridicule mais hilarante ne semble pas tout à fait correspondre aux nouvelles technologies et à son image glamour. Parmi les plus grands moments musicaux du film, on retiendra le merveilleux "Make 'Em Laugh", l'impressionnant "Broadway Melody" et bien sûr le mythique "Singin' in the Rain" dans lequel Kelly touche au sublime avec pour seuls accessoires un décor détrempé, un lampadaire et un parapluie. -Jim Emerson.

Sorti en 1940, Le Dictateur est à la fois une œuvre visionnaire et une farce grinçante. À la politique de haine exprimée par le dictateur nazi, Chaplin oppose ici son humour de la façon la plus magistrale qui soit. Ulcéré par leurs points communs – les deux hommes sont nés à quelques jours d'intervalle et Hitler, comme Chaplin se plaisait à le rappeler avec hargne, avait "volé" sa moustache à Charlot –, le réalisateur des Temps modernes s'emploie avec brio à ridiculiser son ennemi du moment. Pour son premier film parlant, Chaplin utilise à merveille les possibilités qui s'offrent à lui, détournant la mythologie nazie (telle que l'a immortalisée Leni Riefenstahl) pour mieux s'en moquer, et retournant l'éloquence du Führer contre lui dans un discours final d'anthologie. Ce long plaidoyer pacifiste vaudra d'ailleurs pas mal d'ennuis à Chaplin, soupçonné de sympathies communistes après la guerre. Ponctué de morceaux de bravoure restés dans les mémoires – Hynkel jonglant avec le monde, la séquence du rasage musical, Jack Oakie, grandiose, singeant Mussolini – Le Dictateur n'est sans doute pas le meilleur film de Chaplin, mais c'est un chef-d'œuvre. C'est dire le génie de celui qui admit après coup que, s'il avait connu l'ampleur des atrocités nazies, il n'aurait pu réaliser ce film plein de dérision. Ce qui aurait été dommage, comme nous le rappelle ce double DVD de très grande qualité. Image impeccablement restaurée, son remarquable, documentaire passionnant mettant en parallèle les parcours de Chaplin et Hitler, film – inédit et en couleurs ! – réalisé par le frère de Chaplin, Sidney, sur le tournage, tout concours à faire redécouvrir cette merveille dans les meilleurs conditions. -Pierre Boeldieu.

Deux anciens soldats, devenus amis, décident de monter une revue qui remporte un beau succès. Deux femmes se joignent un hiver à leur duo pour célébrer un Noël Blanc dans le Vermont, dans une auberge tenue par leur vieil ex-général d'armée, qui connaît quelques difficultés financières. Grand classique de l'âge d'or des comédies musicales hollywoodiennes, mis en scène par Michael Curtiz (Casablanca), Noël Blanc est un spectacle rafraîchissant et intemporel, emporté par le duo ici très comique Bing Crosby et Danny Kaye. Le rire est évidemment très présent, mais laisse aussi la part belle à l'émotion dans ce pur produit des années 50 ; le DVD est de toute beauté, et il comporte également une interview de l'actrice Rosemary Clooney (la tante de George) et son commentaire audio. -David Rault.

Impossible de ne pas succomber au charme éclatant de ce joyau du cinéma américain, un écrin taillé sur mesure pour ses deux principales interprètes, la blonde Marilyn Monroe et la brune Jane Russel. Menée tambour battant entre New York et Paris, cette comédie musicale brille toujours de ses pleins feux, plus de 50 ans après sa réalisation. Entre les numéros de légende aux chorégraphies visuellement splendides – le cultissime Diamonds Are a Girl's Best Friends, Jane Russel "allumant" les athlètes dans le gymnase pour hommes – les répliques plus savoureuses les unes que les autres, et la rutilance du somptueux technicolor, il y a de quoi faire chavirer toutes les générations de spectateurs ! Si Marilyn y apparaît plus radieuse que jamais, le duo qu'elle forme avec Jane Russel – alors compagne du magnat Howard Hugues – fait des étincelles. Pour son unique incursion dans la comédie musicale, le réalisateur Howard Hawks – Rio Bravo, Scarface, Le Grand Sommeil – confirme sa réputation de cinéaste viril. Avec son habituel sens du loufoque, il dépeint comme toujours un monde d'hommes faibles perturbés par des femmes fortes. Dans ce registre, la composition du vénérable Charles Coburn en vieux diamantaire saisi par les démons de midi est un must ! Ça n'en demeure pas moins un véritable hommage au charme, à la beauté et à l'intelligence des femmes. -Sylvain Lefort.

New York - Miami est le film de la consécration pour Capra : il remporte les cinq oscars les plus prestigieux et fait de son réalisateur une star de la mise en scène. New York - Miami devient le prototype de la comédie romantique. L'histoire, bien construite, repose sur des sentiments humains simples, des décors inattendus, et des dialogues bien huilés. New York - Miami apporte un ton nouveau, c'est une version masculine de Cendrillon. Une jeune héritière séquestrée à Miami dans le yacht de son père milliardaire, hostile à son mariage, fuit dans un autocar roulant vers New York. Là, un journaliste sans emploi, profitant de l'aubaine, l'aborde. Le rythme du scénario, très rapide, accéléré par des ellipses, est à plusieurs reprises ralenti pour permettre au spectateur de reprendre son souffle. Capra en effet ménage des pauses dans le récit par des plans-séquences savoureux où le naturel des comédiens fait merveille. Cet équilibre rythmique est complété par son savoir-faire : Capra épure son style, il refuse les violons aux moments les plus "hollywoodiens", simplifie les mouvements de caméra, laisse une liberté d'action à ses comédiens et improvise certaines scènes comme celle de l'auto-stop. Ce film léger, plein d'entrain et de gags, remporta un succès colossal dans le monde entier. [+]

Une troupe de théâtre monte une revue satirique sur les personnalités à la mode. Jean-Marc Clément, riche industriel, veut faire interdire la revue. Il arrive au théâtre et est ébloui par Amanda, vedette féminine du spectacle. Afin de rester auprès d'elle il ne proteste pas lorsqu'on le prend pour un figurant. L'avant-dernier film de Marylin Monroe jouit – à tort – d'une modeste réputation. Initialement confiée à Billy Wilder et destinée successivement à Yul Brynner, Gregory Peck, Charlton Heston, Franck Sinatra et Rock Hudson, cette comédie musicale comporte de véritables moments d'anthologie : Marilyn, éclatante de sensualité, en pull bleu et collants noir, qui entonne My Heart Belongs to Daddy – et c'est le nôtre qu'elle fait chavirer ; Yves Montand/Jean-Marc Clément, qui rêve d'enlacer la pétillante Marilyn/Amanda ; ce milliardaire d'un jour qui se fait passer pour un piètre comédien ; les yeux sans fond de celle à qui il ne reste que deux ans à vivre ; et puis, les guest-stars, qui jouent leur propre rôle, Gene Kelly, Bing Crosby, Milton Berle. Alors, d'accord, ce n'est pas le meilleur musical de George Cukor – on peut lui préférer My Fair Lady ou Une étoile est née. D'accord, aussi, la liaison entre Yves Montand et Marilyn a quelque peu fait passer cette comédie musicale un peu bancale au second plan. [+]