Le deuxième film américain – après Lawrence d'Arabie – du producteur et réalisateur David Lean s'inscrit dans la lignée des grandes épopées historiques hollywoodiennes des années soixante. Une chose est sûre, Le Docteur Jivago n'usurpe pas son titre de fresque à grand spectacle et, si l'académisme du cinéaste britannique apparaît aujourd'hui un peu vieillot, ce film fleuve restera dans les mémoires pour la splendeur de ses costumes et la grandiloquence de ses décors. Des fastes du Moscou tsariste au bord du chaos révolutionnaire à l'écrasante immensité des steppes de Russie, la mise en scène de David Lean, magnifiée par la photo de Freddie Young, immortalise en des séquences inoubliables, les destins croisés des personnages de Boris Pasternak. Les accents lyriques de la musique composée par Maurice Jarre et la présence charismatique d'Omar Sharif achèveront de faire du Docteur Jivago un immense succès populaire doublé de l'une des plus belles réussites commerciales de la MGM avec Ben Hur et Autant en emporte le vent. -Arnaud Caire.

Considéré comme un film mineur dans la carrière d'Alfred Hitchcock, La Corde n'en est pas moins un excellent thriller. On y retrouve tout le savoir-faire du maître du suspense, qui s'est pour l'occasion imposé une contrainte de taille : tourner le film en un seul plan séquence. Il en résulte un huis clos d'une intensité dramatique très forte. Dès le début du film, le spectateur est témoin d'un crime odieux, dont le mobile n'est autre que le plaisir, et se retrouve aussitôt embarqué malgré lui dans une sinistre mise en scène opérée par les deux assassins, Philip et surtout Brandon. Hitchcock s'amuse alors avec le spectateur dont la frustration, causée par son impuissance face à la situation, ne cesse de croître à mesure que le film avance. La Corde se déroule en temps réel, aucune ellipse ne vient stopper l'implacable processus dramatique, le rythme du film est celui de l'action et, peu à peu, ce qui ressemblait à une amusante démonstration d'une théorie nietzschéenne qui ne l'est pas – les êtres supérieurs ont le droit de supprimer un être inférieur – devient une angoissante recherche de la vérité. En faisant du spectateur un témoin muet, Hitchcock le rend pour ainsi dire complice de Philip et Brandon. Enfin, ce huis clos est servi par une interprétation sans faille des comédiens, emmenés par l'étonnant John Dall, dans le rôle de Brandon, et le toujours juste James Stewart. -Christophe Gagnot.

Dès sa première scène, très maîtrisée, jusqu'au célèbre dénouement autour d'un manège devenu fou, le film mérite sa réputation : être l'une des plus grandes réussites du maître du suspense. Non seulement il s'agit d'un bon thriller, mais c'est aussi un régal pour les cinéphiles. On prend un plaisir pervers à observer la lutte que se livrent le joueur de tennis professionnel, Guy (Farley Granger), et son admirateur mystérieux, Bruno (Robert Walker). Le premier propose un "échange de meurtres" au second : Bruno accepte de tuer la femme adultère de Guy, en échange de quoi Guy accepte de supprimer le père malveillant de Bruno. L'accent est mis sur la narration et sur la stratégie visuelle, ce qui permet à Hitchcock de contrôler l'escalade de la tension avec un flair inégalé. L'intrigue, écrite avec Raymond Chandler, est construite avec une telle précision que l'on reste cloué sur son siège, même après avoir vu le film plusieurs fois. Pour se conformer aux consignes de la censure de l'époque, Hitchcock a été obligé d'édulcorer certains aspects de la relation des deux hommes, en particulier les rapports de Bruno avec Guy. Ainsi, le montage fut modifié, notamment quelques scènes, pourtant riches, de l'interprétation inoubliable de Robert Walker. Par-delà les commentaires historiques et l'attrait qu'exerce ce film sur les cinéphiles, L'Inconnu du Nord-Express reste un des chefs-d'œuvre absolus de Hitchcock, et un classique du suspense toujours aussi efficace. -Jeff Shannon.

C'est sous la contrainte de ses producteurs qu'Hitchcock réalise Le Rideau déchiré. Il signe pourtant une brillante production, même si elle est plus commerciale que personnelle. Michael Armstrong, physicien nucléaire américain, profite d'un congrès à Copenhague pour fuir et passer à l'Est. Sa fiancée et collaboratrice, Sarah Sherman, le suit, surprise et déçue. Avec son style et sa maîtrise du langage cinématographique, Hitchcock une fois de plus nous manipule à sa guise et nous embarque dans une intrigue d'espionnage et de formule secrète. Son style révèle toute son intelligence lors de scènes épiques où le temps s'étire laissant s'installer le climat favori du Maître. Après avoir réalisé ensemble plusieurs films majeurs de l'histoire du Septième Art, Bernard Herrmann, compositeur de la musique, et Hitchcock se déchirent pendant le film ; le maître refuse la partition d'Herrmann et fait refaire la musique. -Christophe Gagnot.

Tout commence lorsque l'astronaute Taylor s'échoue sur une planète lointaine, gouvernée par des singes qui utilisent des humains pour des expérimentations. Très vite, Taylor réalise qu'il est devenu une proie, et que sa vie ne tient qu'à la bienveillance d'un chimpanzé, chercheur scientifique.

Irma, prostituée parisienne au grand cœur, prend pour patron Nestor, un ancien policier qui la sauve des griffes de son ancien souteneur. Elle l'héberge et travaille pour lui, mais bien vite, fou d'amour et de jalousie et ne supportant plus d'avoir à la partager avec ses autres clients, ce dernier met au point un brillant stratagème. Irma la douce, réalisé par feu Billy Wilder, est une comédie romantique à la française, mâtinée de poésie, dans laquelle Jack Lemmon et Shirley MacLaine forment un duo émouvant et charmant. Le rythme plutôt lent du film et les décors attachants (un Paris rêvé d'antan, noctambule et coloré ; un Montmartre d'Amélie Poulain avant la lettre. ) rappellent qu'il fut adapté d'une pièce de théâtre qui connut un véritable triomphe. -David Rault.

Avec Asphalt Jungle de John Huston, c'est LE joyau du film noir, signé Kubrick. Sur un scénario de Jim Thompson – auteur de polars qui donneront naissance à quelques chefs-d'œuvre du genre comme Guet-Apens de Sam Peckinpah ou Les Arnaqueurs de Stephen Frears – Stanley Kubrick construit une formidable machine à perdre, qui démonte à rebours tous les rouages d'un hold-up voué à l'échec. Avec des héros plus losers les uns que les autres, magnifiés dans un somptueux N&B aux accents expressionnistes, le film souligne le poids de la fatalité, maître d'œuvre de ce qui ressemble à un Requiem pour mauvais garçons. Le final d'anthologie constitue à lui seul un morceau de bravoure : en marquant à jamais cette histoire du sceau de l'absurdité et de la vacuité, il inspirera plus d'un cinéaste – Tarantino ou Henri Verneuil dans Mélodie en sous-sol. Au-delà de son aspect à la fois réaliste – l'univers des champs de course – et expressionniste, le film bénéficie d'une construction magistrale : l'histoire avance ainsi via des flash-back et des voix-off entrecroisées – au spectateur d'agencer les pièces de ce KubricksCube. Enfin, il faut mentionner la qualité des interprètes, exceptionnels de densité, de présence physique et de fatigue existentielle : Sterling Hayden, en colosse aux plans d'argile, déjà présent dans Asphalt Jungle ; Mary Windsor, celle par qui le grain de sable vient enrayer cette belle mécanique ; Elisha Cook Jr. , pathétique en époux minable, inoubliable second rôle du Faucon maltais et du Grand sommeil. -Sylvain Lefort.

En réalisant lui-même le remake de sa propre version de 1934, Alfred Hitchcock ne fait pas qu'approfondir ou moderniser une brillante mécanique. Il réalise là une oeuvre tout à fait originale. Outre un suspense mené avec brio – la mémorable scène d'une tentative d'assassinat lors d'un concert à l'Albert Hall de Londres en constitue LE morceau d'anthologie, avec son fameux coup de cymbales sur une orchestration effectuée par son fidèle Bernard Herrmann –, le maître du suspense y réintroduit des notations personnelles : le couple en danger, sa dissolution possible face aux dangers de la vie, sa fascination pour les héroïnes blondes. Autre morceau d'anthologie : la célèbre chanson "Que sera sera" montée en parallèle dans la scène finale et qui obtient l'Oscar en 1956. Epaulé par son chef opérateur favori Robert Burks à la photo pour un splendide Technicolor, par James Stewart – Fenêtre sur cour, La Corde– et Doris Day en mère angoissée et émouvante à l'interprétation, Sir Alfred réussit un excellent divertissement, qu'il qualifie lui-même de "tranche de gâteau". Et s'il ne s'agit pas d'une pièce majeure dans l'œuvre de Hitch, à l'instar de Vertigo ou Soupçons, on y prend un réel plaisir. -Sylvain Lefort.

Unique incursion du cinéaste de Laura et d'Autopsie d'un meurtre dans le western, La Rivière sans retour est un authentique chef-d'œuvre. À la fois limpide et sauvage, ce film nous mène sur le double terrain du film d'aventures et du récit initiatique centré sur un double couple : un chercheur d'or et son fils qui apprennent à se connaître – Robert Mitchum et le jeune Tommy Retting, alors âgé de 10 ans et dont les relations ne sont pas sans évoquer cet autre grand chef-d'œuvre du film d'aventures réalisé également par un Viennois de Hollywood, Les Contrebandiers de Moonfleet de Fritz Lang ; un aventurier rugueux et une chanteuse au cœur pur, Mitchum et Marylin, un duo de légende. Plutôt à l'aise dans les environnements urbains – Un si doux visage, Mark Dixon détective en témoignent – Otto Preminger se tire haut la main de son challenge. Outre la splendeur du cinémascope, on y retrouve toute la patte du cinéaste : brillante utilisation de la grue, scénario qui exploite toutes les figures du genre (saloons, Indiens, tentative de viols), sens de l'espace et des décors naturels. Et même si le film lui a été commandé par Darryl Zanuck, le réalisateur est parvenu à lui insuffler une touche toute personnelle, doucement mélancolique. Ce qui en fait à la fois une éclatante réussite de genre et une très belle œuvre d'auteur. -Sylvain Lefort.

Plus qu'un policier, c'est incontestablement l'un des premiers films d'épouvante français. Tiré d'un roman de Boileau-Narcejac, en voici la recette : un meurtre particulièrement dur, un coup de théâtre final, une atmosphère d'épouvante. Grâce à cette adaptation qui lui permet de déployer sa noirceur et son pessimisme légendaires, Henri-Georges Clouzot décroche le plus grand succès commercial de sa carrière. Il faut dire que rien n'a été laissé au hasard : jouant habilement sur les nerfs du spectateur, le réalisateur du Salaire de la peur obtient des distributeurs, que les salles projetant le film soient fermées dès le début de la projection. Le tournage, complètement secret, vire au cauchemar : Paul Meurisse et le metteur en scène se détestent plus que cordialement ; Véra Clouzot et Simone Signoret ne s'entendent absolument pas. Tout ceci ne serait qu'anecdotique si Clouzot n'avait pas vampirisé l'intrigue comme il l'a fait. En décrivant, avec la minutie d'un chercheur, des personnages qui s'entre-dévorent tels des insectes, il livre une oeuvre à la limite du fantastique, qui combine angoisse psychologique (dans le huis clos d'un pensionnat), peinture de moeurs (les relations sado-masochistes d'un homme, de sa femme et de sa maîtresse) et effets terrifiants (l'image de Paul Meurisse gisant au fond d'une baignoire remplie à ras bord a fait le tour du monde). Un film qui porte décidément bien son titre ! Roi des ambiances claustrophobes et névrosées, le metteur en scène du Corbeau est également un maître du casting, à même de réunir autour des stars de l'époque – Charles Vanel, Simone Signoret, Paul Meurisse –, des fidèles – Noël Roquevert, Pierre Larquey –, et des "débutants", comme sa femme Véra, un comique nommé Michel Serrault et, parmi les figurants, une tête blonde appelée Jean-Philippe Smet, futur Johnny Hallyday ! -Sylvain Lefort.

Walter Brown et Gus Forbes, deux inspecteurs de police, sont chargés de protéger Mlle Neal, veuve d'un caïd qui doit témoigner contre la mafia. Mais, dès qu'ils ont pris possession de l'encombrant colis, Forbes est abattu. Son coéquipier doit alors effecteur seul le périlleux convoyage en train, de Chicago à Los Angeles. Excellente série B typique des années 50, marquée du sceau de la mythique RKO, L'Énigme du Chicago express reste, plus de cinquante ans après, une enquête palpitante aux multiples rebondissements, à la réalisation soignée et novatrice – Richard Fleischer, qui allait nous offrir, quelques années plus tard, 20 000 Lieues sous les mers et Le Voyage fantastique, utilisait ici pour l'une des premières fois une caméra portée directement sur l'épaule dans les courses-poursuites dans les couloirs du train, donnant un sentiment de réalisme peu vu jusqu'alors. Notons qu'un remake de ce film a été réalisé en 1990 par Peter Hyams avec Gene Hackman, Le Seul Témoin. -David Rault.

Perçu comme un film décevant à sa sortie, Pas de printemps pour Marnie a, depuis, vu sa réputation grandir. Car même s'il peut être considéré comme un Hitchcock mineur, il n'en reste pas moins un film fascinant. Tippi Hedren incarne Marnie, une voleuse compulsive qui ne supporte pas d'être touchée par un homme et qui devient folle à la vue du rouge. Intrigué par ce comportement névrotique, le psychiatre Mark Rutland entreprend de la soigner. La relation complexe qui unit les deux personnages les fait évoluer sur le terrain des névroses, de la sexualité, et du fétichisme. Sean Connery prête son charisme au psychiatre, tandis que le compositeur Bernard Herrmann, alter ego d'Hitchcock, collabore pour la dernière fois avec le Maître. -Christophe Gagnot.

Alfred Hitchcock n'a jamais caché que L'Ombre d'un doute était une de ses œuvres préférées. Comme dans Soupçons, réalisé deux ans plus tôt, le cinéaste réfléchit ici sur le thème de la suspicion. Joseph Cotten, très brillant, campe un personnage volontiers cynique, troublant séducteur toujours prêt à apporter sa "contribution sociale" à la civilisation, en perpétrant quelques odieux crimes. La sobriété de la réalisation permet d'apprécier la justesse de ton et la sensibilité avec lesquelles Hitchcock met à nu l'atmosphère d'une petite ville américaine où tout le monde se connaît, et où manifestement il ne se passe pas grand-chose. Derrière son apparente simplicité, le film s'achève en suscitant de multiples interrogations chez le spectateur. -Christophe Gagnot.