En réalisant lui-même le remake de sa propre version de 1934, Alfred Hitchcock ne fait pas qu'approfondir ou moderniser une brillante mécanique. Il réalise là une oeuvre tout à fait originale. Outre un suspense mené avec brio – la mémorable scène d'une tentative d'assassinat lors d'un concert à l'Albert Hall de Londres en constitue LE morceau d'anthologie, avec son fameux coup de cymbales sur une orchestration effectuée par son fidèle Bernard Herrmann –, le maître du suspense y réintroduit des notations personnelles : le couple en danger, sa dissolution possible face aux dangers de la vie, sa fascination pour les héroïnes blondes. Autre morceau d'anthologie : la célèbre chanson "Que sera sera" montée en parallèle dans la scène finale et qui obtient l'Oscar en 1956. Epaulé par son chef opérateur favori Robert Burks à la photo pour un splendide Technicolor, par James Stewart – Fenêtre sur cour, La Corde– et Doris Day en mère angoissée et émouvante à l'interprétation, Sir Alfred réussit un excellent divertissement, qu'il qualifie lui-même de "tranche de gâteau". Et s'il ne s'agit pas d'une pièce majeure dans l'œuvre de Hitch, à l'instar de Vertigo ou Soupçons, on y prend un réel plaisir. -Sylvain Lefort.

Ce grand classique du cinéma américain n'a rien perdu de sa poésie. Même les effets spéciaux, qui pourront sembler quelque peu naïfs en comparaison de ceux d'aujourd'hui, ont conservé un charme et une fraîcheur irrésistibles. Mais ce qui fait la force exceptionnelle de ce film, c'est la beauté du thème central, qui renouvelle le mythe de la Belle et la Bête, et dont le traitement n'est pas exempt de suggestion érotique. La mort du gorille géant, au terme d'un final époustouflant, est en effet comme la conclusion tragique et mélancolique d'un amour inavouable. La délicieuse et juvénile Fay Wray, que l'on avait vue précédemment dans Les Chasses du comte Zaroff, se prête avec une étonnante conviction à ce jeu pour le moins ambigu. Le scénario est tiré d'un récit d'Edgar Wallace, prolifique et talentueux auteur de romans policiers. -Michel Marmin Classique des classiques, ce King Kong de 1933 reste beaucoup plus magique et impressionnant que son remake de 1976. Evidemment, les effets spéciaux feront sourire les plus jeunes… Poétique, le film n'en est pas moins violent et avait été, à l'époque, amputé de 15 minutes. [+]

Le problème avec Harry, c'est qu'il est mort. Tel un cartoon, Mais qui a tué Harry ? présente un large panel de personnages, soit drôles, soit agaçants, qui ont la particularité commune de complètement se désintéresser du pauvre cadavre qu'ils rencontrent à tour de rôle. Le mort, Harry, une fois identifié, devient la cause de multiples stratagèmes destinés à le cacher. Il est d'abord enterré puis déterré, enterré à nouveau… Rarement l'humour grinçant d'Alfred Hitchcock n'a pu s'exprimer autant que dans Mais qui a tué Harry ?, une de ses vraies comédies qu'il citait souvent comme étant un de ses films préférés. D'autre part, la joyeuse partition de Bernard Herrmann complète parfaitement l'humour noir de cette étrange histoire, et le charme affiché par la débutante Shirley McLaine rompt avec les héroïnes "glacées" présentes dans les autres films d'Hitchcock. -Christophe Gagnot.

Cinquième colonne est un excellent divertissement, aux rebondissements constants et mené sur un rythme tambour battant. Le film mêle comme Les 39 marches et La Mort aux trousses le thème du road movie à celui du film d'espionnage. L'histoire emmène le héros, Barry Kane, de la Californie à New York, accumulant les péripéties diverses. Dans ce film, les méchants ont plus d'épaisseur et sont plus nuancés que les personnages principaux. Hitchcock dénonce la fausseté des apparences ; ceux qui apparaissent les plus "normaux" sont inhumains alors que les "marginaux" sont les plus humains. Avec Cinquième colonne, réalisé peu avant que les États-Unis s'engagent dans la Seconde Guerre mondiale, Hitchcock cherche à attirer l'attention des Américains sur le danger qui les menace. -Christophe Gagnot.

Alfred Hitchcock adorait raconter comment son père l'avait à jamais dissuadé d'entreprendre la moindre action illégale en le faisant brièvement enfermer dans une cellule de garde à vue - expérience terrifiante qu'il n'oubliera jamais. Le Faux Coupable rend parfaitement compte de cette expérience traumatisante. C'est une oeuvre unique dans la filmographie du maître, car elle est inspirée de faits réels qui se déroulèrent à New York en janvier 1953. Comme Hitchcock le souligne dans son ténébreux prologue, l'authenticité - jusqu'au nom des personnages et des lieux - était son souci essentiel. L'approche documentariste apporte au film une puissance considérable ; les films noirs étaient encore très en vogue à l'époque du tournage en 1957. Henry Fonda est l'acteur idéal pour incarner ce musicien de club fauché pris pour un truand au moment où il essaie d'encaisser l'argent de l'assurance vie de sa femme pour qu'elle puisse se faire soigner les dents. Vera Miles est tout aussi superbe dans le rôle de la femme qui se démène pour tenter de prouver l'innocence de son mari et qui finit par craquer sous la pression de la fausse accusation. Une minutie particulière est apportée aux détails de l'enquête et sur le désarroi croissant de l'accusé, ce qui donne à l'intrigue une tension extrême, comme à l'accoutumée chez Hitchcock. La réalité dépassant ici la fiction, la scrupuleuse reconstitution des faits réels affaiblit le récit, mais Le Faux Coupable reste une oeuvre fascinante. Pour l'anecdote, Vera Miles, qui allait jouer plus tard dans Psychose, était le premier choix de Hitchcock pour le rôle qu'interpréta Kim Novak dans Sueurs froides. [+]

Alfred Hitchcock n'a jamais caché que L'Ombre d'un doute était une de ses œuvres préférées. Comme dans Soupçons, réalisé deux ans plus tôt, le cinéaste réfléchit ici sur le thème de la suspicion. Joseph Cotten, très brillant, campe un personnage volontiers cynique, troublant séducteur toujours prêt à apporter sa "contribution sociale" à la civilisation, en perpétrant quelques odieux crimes. La sobriété de la réalisation permet d'apprécier la justesse de ton et la sensibilité avec lesquelles Hitchcock met à nu l'atmosphère d'une petite ville américaine où tout le monde se connaît, et où manifestement il ne se passe pas grand-chose. Derrière son apparente simplicité, le film s'achève en suscitant de multiples interrogations chez le spectateur. -Christophe Gagnot.

C'est sous la contrainte de ses producteurs qu'Hitchcock réalise Le Rideau déchiré. Il signe pourtant une brillante production, même si elle est plus commerciale que personnelle. Michael Armstrong, physicien nucléaire américain, profite d'un congrès à Copenhague pour fuir et passer à l'Est. Sa fiancée et collaboratrice, Sarah Sherman, le suit, surprise et déçue. Avec son style et sa maîtrise du langage cinématographique, Hitchcock une fois de plus nous manipule à sa guise et nous embarque dans une intrigue d'espionnage et de formule secrète. Son style révèle toute son intelligence lors de scènes épiques où le temps s'étire laissant s'installer le climat favori du Maître. Après avoir réalisé ensemble plusieurs films majeurs de l'histoire du Septième Art, Bernard Herrmann, compositeur de la musique, et Hitchcock se déchirent pendant le film ; le maître refuse la partition d'Herrmann et fait refaire la musique. -Christophe Gagnot.

Considéré comme un film mineur dans la carrière d'Alfred Hitchcock, La Corde n'en est pas moins un excellent thriller. On y retrouve tout le savoir-faire du maître du suspense qui s'est pour l'occasion imposé une contrainte de taille : tourner le film en un seul plan séquence. Il en résulte un huis clos d'une intensité dramatique très forte. Dès le début du film le spectateur est témoin d'un crime odieux dont le mobile n'est autre que le plaisir, et se retrouve aussitôt embarqué malgré lui dans une sinistre mise en scène opérée par les deux assassins, Philip et surtout Brandon. Hitchcock s'amuse alors avec le spectateur dont la frustration, causée par son impuissance face à la situation, ne cesse de croître à mesure que le film avance. La Corde se déroule en temps réel, aucune ellipse ne vient stopper l'implacable processus dramatique, le rythme du film est celui de l'action et, peu à peu, ce qui ressemblait à une amusante démonstration d'une théorie nietzschéenne qui ne l'est pas – les êtres supérieurs ont le droit de supprimer un être inférieur – devient une angoissante recherche de la vérité. En faisant du spectateur un témoin muet, Hitchcock le rend pour ainsi dire complice de Philip et Brandon. Enfin ce huis clos est servi par une interprétation sans faille des comédiens emmenés par l'étonnant John Dall dans le rôle de Brandon et le toujours juste James Stewart. -Christophe Gagnot.