Bizarre, bizarre : incompris à sa sortie en 1937, ce film est désormais considéré comme un petit bijou du cinéma français des années 30. Les dialogues – exceptionnellement brillants – de Jacques Prévert n'y sont pas pour rien : outre le célèbre dîner et son "Bizarre, bizarre", les mimosas de Molyneux ou la comptine des petits pigeons reposent au panthéon des cinéphiles. S'y ajoute une distribution de choix : Jean-Louis Barrault en assassin de bouchers ; Michel Simon, en professeur de botanique le jour, écrivain de romans policiers la nuit ; Françoise Rosay, en impayable Madame Molyneux ; enfin, Louis Jouvet, en inquiétant évêque de Bedford. Souvent présenté comme une transposition à la française du non-sens britannique, Drôle de drame reste avant tout un formidable film d'acteurs et de dialoguiste, sans héritier apparent dans le cinéma français, hormis peut-être Buffet froid de Bertrand Blier. -Sylvain Lefort.

Oakley est suspecté être l'assassin de plusieurs riches veuves. Il se réfugie chez sa soeur, qui est persuadée de son innocence. Charlie, sa nièce, commence à le soupçonner d'être l'auteur de ses meurtres lorsqu'un détective, Jack Graham, arrive en ville pour enquêter. Découvert, Oakley tente de supprimer la jeune fille. Alfred Hitchcock n'a jamais caché que L'Ombre d'un doute était une de ses œuvres préférées. Comme dans Soupçons, réalisé deux ans plus tôt, le cinéaste réfléchit ici sur le thème de la suspicion. Joseph Cotten, très brillant, campe un personnage volontiers cynique, troublant séducteur toujours prêt à apporter sa "contribution sociale" à la civilisation, en perpétrant quelques odieux crimes. La sobriété de la réalisation permet d'apprécier la justesse de ton et la sensibilité avec lesquelles Hitchcock met à nu l'atmosphère d'une petite ville américaine où tout le monde se connaît, et où manifestement il ne se passe pas grand-chose. Derrière son apparente simplicité, le film s'achève en suscitant de multiples interrogations chez le spectateur. -Christophe Gagnot.

Ce film ambitieux et original de Capra, qui poursuit sa quête du bonheur, fait résonner ce qui est en chacun de nous : l'appel de l'inaccessible. 1935, dans la Chine en guerre, les rescapés d'un accident d'avion dans l'Himalaya sont conduits par des Tibétains dans la vallée mythique de Shangri-La… Superbe travail de restauration pour un chef-d'œuvre qui avait subi bien des outrages : versions amputées et négatif original détérioré. Sur cette copie de 128 min, les 7 min d'images manquantes sont remplacées par des photos et des archives de la production. Le DVD regorge de bonus. Le documentaire de Kendall Miller (30 min, VOST) dévoile les grands moments du tournage, comme ces étonnants décors construits pour les scènes de montagne par la Columbia. Également en bonus : la fin alternative (2'40), une comparaison entre la version d'origine et la version restaurée, un commentaire audio, 2 versions du générique et trois scènes supplémentaires. Un DVD de référence pour tous les (vrais) cinéphiles. -Marie-Sylvie Maufus.

Une douce héritière, Linda McKinlaw, s'éprend du séduisant Johnnie Aysgarth. À peine mariée, elle apprend que celui-ci a de graves problèmes financiers et n'a jamais travaillé. Semblant sombrer peu à peu dans la paranoïa, Linda en vient à soupçonner son jeune époux de vouloir l'assassiner… Excellent Hitchcock de 1941, Soupçons réunit à l'écran le couple somptueusement glamour Cary Grant-Joan Fontaine. Différent dans son final du roman signé Francis Isle dont il est tiré, Soupçons joue à merveille sur la corde de l'angoisse et de la paranoïa. Une ambiance très british, pour ce deuxième film du maître du suspense réalisé à Hollywood. À noter que Joan Fontaine reçut l'Oscar de la meilleure actrice pour ce film. -Jean-Pascal Grosso.

Le rêve de tous les fanatiques de La Planète des singes se réalise enfin : l'intégralité des long métrages d'époque dans un coffret collector DVD d'exception. Au menu, La Planète des singes, le classique indémodable de la science-fiction, adapté d'un roman de Pierre Boulle, fable philosophique, et un pamphlet politique ; Le Secret de la planète des singes, plus engagé et plus satirique, plus empreint d'humour aussi ; Les Évadés de la planète des singes, qui inverse la donne et plonge trois des héros chimpanzés de la série en arrière dans le temps, à l'époque où ils étaient encore soumis aux humains ; La Conquête de la planète des singes, l'opus le plus sombre et le plus sanglant de la série, très réussi et encore une fois très connoté politiquement, et qui annonce le 5e et dernier tome de la saga, La Bataille de la planète des singes, au discours plus humaniste et optimiste, et qui termine la série de manière positive – ce qui était alors le but des studios, comme on l'apprend, entre (beaucoup) d'autres choses, dans le formidable documentaire inclus sur le 6e DVD du coffret qui ravira de longues heures durant les fans de la série phare des années 60 et 70. -David Rault LA PLANETE DES SINGES(Planet of the Apes - 1968)Tout commence lorsque l'astronaute Taylor s'échoue sur une planète lointaine, gouvernée par des singes qui utilisent des humains pour des expérimentations. Très vite, Taylor réalise qu'il est devenu une proie, et que sa vie ne tient qu'à la bienveillance d'un chimpanzé, chercheur scientifique. LE SECRET DE LA PLANETE DES SINGES(Beneath the Planet of the Apes - 1970)Au cours d'un vol, l'astronaute Taylor a disparu. La base envoie Brent à sa recherche. Il doit se poser en catastrophe sur une planète et découvre qu'il se trouve en 3955 et que cette planète est habitée par des singes ou les gorilles sont les maitres et les chimpanzés les esclaves. LES EVADÉS DE LA PLANETE DES SINGES(Escape from the Planet of the Apes - 1971)Zira et Cornelius décident de fuir la planète des singes. [+]

John Huston (Le Faucon maltais) a réalisé ce thriller intelligent sur un gangster (Edward G. Robinson) qui retient un certain nombre de personnes en otage dans un hôtel de l'une des îles du sud de la Floride alors que menace un cyclone tropical. Humphrey Bogart joue le rôle d'un ancien combattant qui s'attaque au méchant, et Lauren Bacall figure parmi les personnages situés du mauvais côté de l'arme tenue par Robinson. Ressemblant par certains côtés au Port de l'angoisse de Howard Hawks (avec également Humphrey Bogart et Lauren Bacall), ce film d'atmosphère rend parfaitement le désespoir des personnages en même temps que les liens qui se tissent entre eux dans l'adversité. Claire Trevor a remporté un oscar pour son rôle de la petite amie alcoolique du gangster. -Tom Keogh.

C'est un époustouflant travail de restauration visuel et sonore qui nous permet ici de redécouvrir l'un des chefs-d'œuvre du cinéma français. Deux mois avant l'entrée en guerre de la France contre l'Allemagne hitlérienne, La Règle du jeu décrivait sans ambages et avec prémonition la faillite d'une société qui allait se jeter dans les bras du nazisme. Renoir saupoudre son œuvre d'une liberté d'inspiration formelle qui confine littéralement au génie, au sein d'une mise en scène dont la grammaire reste encore aujourd'hui des plus modernes. Une expérience de cinéma unique marquant l'aboutissement d'une cinématographie estampillée depuis « âge d'or ». Une intervention filmée de Renoir datant de 1966 et revenant sur l'exécrable réception du film lors de sa sortie sert d'introduction à cette œuvre majeure. Celle-ci est accompagnée du commentaire audio d'un historien du cinéma spécialiste de Jean Renoir, que l'on retrouve sur le second disque au sein d'un entretien passionnant où il se propose de revenir sur l'historique de la production du film. Un point de vue à compléter par ceux de Claude Chabrol, Noémie Lvovsky, Jean Douchet ou celle du maître lui-même, interviewé en 66 par Jacques Rivette. Un accompagnement éditorial pertinent pour ce véritable joyau de notre patrimoine cinématographique. - www. ecranlarge. [+]

Tourné à la veille de la Seconde Guerre mondiale, La Règle du jeu décontenança par sa noirceur et sa modernité. Il est vrai que Renoir, à travers un tragique chassé-croisé amoureux, y brosse un tableau au vitriol de la société française de la fin des années trente. Et quand le film fut projeté pour la première fois, il fut accueilli par de telles manifestations d'hostilité - on tenta même d'incendier la salle de cinéma - que les distributeurs obtinrent l'autorisation de couper les scènes jugées offensantes. Sifflé par le public et mutilé par la censure, le film maudit de Renoir s'est depuis fait une place de choix dans le panthéon des classiques français. Sujet d'innombrables exégèses, ce film prophétique est aujourd'hui étudié dans les écoles de cinéma les plus réputées, et des personnalités telles que Gérard Depardieu ou le cinéaste Emir Kusturica ne cachent pas leur admiration à son sujet. Il faut dire que cette oeuvre d'une grande richesse, comparable à ce que fut, à la veille de la Révolution, Le Mariage de Figaro, se laisse voir et revoir à l'infini. On ne se lasse pas en effet de cette partie de chasse en Sologne (suivie d'une fête chez un châtelain) où maîtres et domestiques rivalisent de cynisme et de cruauté. Un jeu de massacre qui ne serait pas aussi mémorable sans la prestation de ses extraordinaires comédiens - Dalio en tête. David Mikanowski.

De retour des sports d'hiver, Reggie Lambert, en instance de divorce, retrouve son appartement parisien sans dessus-dessous et apprend la mort de son mari. Elle découvre que son époux avait détourné pendant la guerre un magot destiné à la résistance française. Ses anciens complices mais aussi Peter Joshua, un séduisant célibataire rencontré aux sports d'hiver, près duquel elle cherchait un appui, semblent impliqués dans cette affaire.

Un remarquable scénario – inspiré d'un fait divers –, des dialogues particulièrement soignés, une distribution qui, autour de Pierre Fresnay, fait la part belle à tous les grands seconds rôles du cinéma français des années 40, de Pierre Bertin à Noël Roquevert, en passant par Héléna Manson ou Roger Blin : Le Corbeau est un indéniable chef-d'œuvre. Interdit à la Libération pour avoir été produit par la Continental, société allemande, le deuxième film d'Henri-Georges Clouzot s'en prend à un mal français : la contagion de la délation. Le metteur en scène du Salaire de la peur et des Diaboliques y déploie toute la mesure de son cynisme, en brossant le portrait d'une petite ville de province perturbée par des lettres anonymes. Ne serait-ce que pour la scène où Pierre Larquey expose sa théorie du bien et du mal en faisant balancer une ampoule électrique, il faut absolument avoir vu cette fable sur la nature humaine, pleine de noirceur, mais aux accents pittoresques. -Sylvain Lefort Un remarquable scénario – inspiré d'un fait divers –, des dialogues particulièrement soignés, une distribution qui, autour de Pierre Fresnay, fait la part belle à tous les grands seconds rôles du cinéma français des années 40, de Pierre Bertin à Noël Roquevert, en passant par Héléna Manson ou Roger Blin –, Le Corbeau est un indéniable chef-d'oeuvre. Interdit à la Libération pour avoir été produit par la Continental, société allemande, le deuxième film d'Henri-Georges Clouzot s'en prend à un mal français : la contagion de la délation. Le metteur en scène du Salaire de la peur et des Diaboliques y déploie toute la mesure de son cynisme, en brossant le portrait d'une petite ville de province perturbée par des lettres anonymes. Ne serait-ce que pour la scène où Pierre Larquey expose sa théorie du bien et du mal en faisant balancer une ampoule électrique, il faut absolument avoir vu cette fable sur la nature humaine, pleine de noirceur, mais aux accents pittoresques. -Sylvain Lefort.

Ce classique du film noir, ressorti sous le titre Pendez-moi haut et court, oppose le flegmatique Robert Mitchum au cynique Kirk Douglas. Un ancien détective raconte son passé à sa future femme. Il avait été chargé par un joueur de retrouver sa maîtresse, partie avec une grosse somme d'argent… Emprisonné entre le présent et le passé, Mitchum est conscient des pièges tendus autour de lui, mais ne peut échapper à l'emprise de la femme fatale incarnée par Jane Greer. Ne cherchez pas la VF, il n'y en a pas ! La piste sonore VO en mono est très acceptable. Les images en 4/3 , parfois trop sombres, sont légèrement piquées. -Marie-Sylvie Maufus.

Humphrey Bogart et Lauren Bacall ont inscrit ensemble des pages de l'histoire du cinéma, mais ils n'ont jamais été aussi populaires que dans cette adaptation de 1946 par Howard Hawks du roman de Raymond Chandler, dont William Faulkner a écrit le scénario. Humphrey Bogart joue le rôle du détective privé Philip Marlowe, engagé par une riche personnalité en vue (Lauren Bacall) pour enquêter sur les problèmes de sa jeune soeur (Martha Vickers). Avec sa complexité légendaire (au point que Raymond Chandler avait du mal à reconnaître l'intrigue), ce film à l'atmosphère prenante reste un grand divertissement. -Tom Keogh.

Prenez une période sombre de l'histoire de France dans laquelle vous allez faire revenir deux icônes sacrées du cinéma comique populaire. Saupoudrez le tout de cascades et de courses-poursuites échevelées, en agrémentant d'une bonne dose de figurants et de décors à la fois intemporels et emblématiques. Laissez enfin mijoter jusqu'à ébullition dans la plus pure tradition de la comédie burlesque française des années soixante. En reprenant les ingrédients qui avaient fait le succès du Corniaud un an auparavant, Gérard Oury réalise avec sa Grande Vadrouille le plus gros succès en salle pour un film français. Il ne s'agit plus ici de convoyer une voiture américaine bourrée d'or et de chnouf, mais deux officiers anglais parachutés dans la France occupée de la Seconde Guerre mondiale. Stanislas – de Funès –, irascible chef d'orchestre mégalomane, et Augustin – Bourvil –, le timide peintre en bâtiment éperdument amoureux de Juliette, la fille du guignol, interprétée par Marie Dubois, mènent à pied, à cheval, à vélo, en voiture, en planeur, et à leur insu, cette escapade entre les genres. Des scènes d'action aux scènes de guerre en passant par le vaudeville en chambre, rien n'essouffle ce couple explosif de duettistes plus antithétiques que jamais, donc fondamentalement complémentaires… "Tea for two and two for tea…" -Arnaud Caire.

En réalisant lui-même le remake de sa propre version de 1934, Alfred Hitchcock ne fait pas qu'approfondir ou moderniser une brillante mécanique. Il réalise là une oeuvre tout à fait originale. Outre un suspense mené avec brio – la mémorable scène d'une tentative d'assassinat lors d'un concert à l'Albert Hall de Londres en constitue LE morceau d'anthologie, avec son fameux coup de cymbales sur une orchestration effectuée par son fidèle Bernard Herrmann –, le maître du suspense y réintroduit des notations personnelles : le couple en danger, sa dissolution possible face aux dangers de la vie, sa fascination pour les héroïnes blondes. Autre morceau d'anthologie : la célèbre chanson "Que sera sera" montée en parallèle dans la scène finale et qui obtient l'Oscar en 1956. Epaulé par son chef opérateur favori Robert Burks à la photo pour un splendide Technicolor, par James Stewart – Fenêtre sur cour, La Corde– et Doris Day en mère angoissée et émouvante à l'interprétation, Sir Alfred réussit un excellent divertissement, qu'il qualifie lui-même de "tranche de gâteau". Et s'il ne s'agit pas d'une pièce majeure dans l'œuvre de Hitch, à l'instar de Vertigo ou Soupçons, on y prend un réel plaisir. -Sylvain Lefort.

"Faut reconnaître : c'est du brutal !" Trafic d'alcool et casino, amitié virile et femmes légères, règlements de comptes et code de l'honneur, tous les clichés du film noir sont rassemblés ici pour être ventilés, éparpillés, brisés menu. Adapté d'une série noire d'Albert Simonin (Touchez pas au grisbi, c'est déjà lui), servi par des dialogues mitonnés au cordeau par Michel Audiard, le film de Georges Lautner réunit un casting historique : Bernard Blier, "audiardien" en diable ; Lino Ventura en vrai dur au cœur tendre ; Francis Blanche, plus loufoque que jamais, Jean Lefebvre en Droopy flingueur, sans oublier Robert Dalban et Claude Rich. Troisième au box-office de l'année 1963, ce succès incite la fine équipe à remettre le couvert l'année suivante, pour une parodie tout aussi ahurissante, Les Barbouzes. Grâce à ces Tontons flingueurs, devenus cultissimes, Michel Audiard s'impose comme le Shakespeare de l'argot parisien. -Sylvain Lefort.

Deux amis étranglent un de leurs camarades de classe pour se donner des sensations fortes, puis donnent une soirée pour la famille et les amis de la victime, alors que le cadavre se trouve dans la malle qui leur sert de table. Lorsque les assassins, au cours de la conversation, abordent le sujet du "crime parfait", leur ancien professeur devient de plus en plus soupçonneux. Considéré comme un film mineur dans la carrière d'Alfred Hitchcock, La Corde n'en est pas moins un excellent thriller. On y retrouve tout le savoir-faire du maître du suspense, qui s'est pour l'occasion imposé une contrainte de taille : tourner le film en un seul plan séquence. Il en résulte un huis clos d'une intensité dramatique très forte. Dès le début du film, le spectateur est témoin d'un crime odieux, dont le mobile n'est autre que le plaisir, et se retrouve aussitôt embarqué malgré lui dans une sinistre mise en scène opérée par les deux assassins, Philip et surtout Brandon. Hitchcock s'amuse alors avec le spectateur dont la frustration, causée par son impuissance face à la situation, ne cesse de croître à mesure que le film avance. La Corde se déroule en temps réel, aucune ellipse ne vient stopper l'implacable processus dramatique, le rythme du film est celui de l'action et, peu à peu, ce qui ressemblait à une amusante démonstration d'une théorie nietzschéenne qui ne l'est pas – les êtres supérieurs ont le droit de supprimer un être inférieur – devient une angoissante recherche de la vérité. [+]