Grande première : Alfred Hitchcock, le maître de l'angoisse, fait tourner Marlene Dietrich (L'Ange bleu, L'Impératrice rouge). Ce film à suspense a pour toile de fond les mensonges et l'illusion du théâtre. Pour incarner cette vedette de music-hall toujours en représentation, Marlene Dietrich a voulu choisir elle-même ses tenues chez Christian Dior. Le Grand Alibi n'est peut- être pas une oeuvre majeure du grand réalisateur, mais elle mérite le détour. L'intrigue est bien soutenue jusqu'au dénouement. Marlene Dietrich a tout l'éclat d'une star et interprète la célèbre Vie en rose dans l'une des scènes. - Marie-Sylvie Maufus.

Supercalifragilisticexpialidocious. Mystérieux et quasi imprononçable, le mot est resté à tout jamais dans l'esprit des chanceux qui ont vu Mary Poppins, une des plus grandes réussites des studios Walt Disney. Deux heures cinquante de bonheur musical mené par Julie Andrews, parfaite dans le rôle d'une nounou aux pouvoirs magiques qui descend du ciel avec un parapluie pour s'occuper de deux jeunes chenapans, Jane et Michael. Mary Poppins mérite son appellation de classique puisqu'il s'agit d'un film qui ne vieillit pas. Ainsi, lorsque la nounou et son ami Bert entraînent les enfants dans un univers de dessin animé, on reste stupéfait devant la modernité du mélange animation/personnages réels. La magie Disney agit grâce à des chansons inoubliables qui font du film une parfaite comédie musicale, des acteurs drôles, de grands moments d'émotion, et surtout une histoire où la magie tient un rôle primordial. Une magie qui entraîne les adultes dans un univers oublié, et les enfants dans un monde rêvé. Un Disney essentiel ! - Marc Maesen.

Premier space opera de l'histoire du cinéma, 2001 : l'odyssée de l'espace marque une date : celle de l'entrée de la SF dans l'âge adulte. Mais plus qu'un film d'anticipation, certes majestueux – jamais les merveilleuses valses de Strauss n'ont paru aussi aériennes qu'accompagnées des voltiges des grandes roues spatiales –, cette œuvre constitue, à bien des égards, une expérience unique, dont la beauté infinie tient aux mystères insolubles qu'elle soulève. Satané monolithe noir, par exemple, qui erre dans chacune des quatre parties du film ! Satané scénario – germé dans les esprits géniaux de Kubrick lui-même et d'Arthur Clarke – qui laisse en plan des personnages toutes les vingt minutes, alors qu'on commence à s'y attacher, pour raconter rien moins que l'histoire de l'humanité ! Et satané réalisateur, qui transforme le temps d'un plan – la plus extraordinaire ellipse de l'histoire du cinéma – un ossement préhistorique en navette intersidérale ! Satané chef opérateur, enfin, – Geoffrey Unsworth – pour ce très beau trip au-delà de l'espace qui débouche dans une chambre Louis XVI ! Cette édition DVD, proche de la perfection, ne fait que confirmer ce que l'on savait déjà : il y a bien un avant et un après 2001. -Sylvain Lefort.

Melville à son sommet. En filmant une fois de plus une histoire d'hommes, solitaires, réunis pour un casse dans une bijouterie, et traqués par un commissaire tout aussi solitaire qu'eux, le réalisateur du Samouraï nous livre là son film somme. On y retrouve donc toute la patte melvillienne : une distribution prestigieuse qui réunit fidèles (Alain Delon, François Périer) et nouveaux venus, impressionnants (Bourvil dans son dernier rôle, Yves Montand) ; son fétichisme pour les objets – le chapeau, l'imperméable, la voiture, le revolver – son goût pour les atmosphères masculines – les appartements vides et sans âme, le motel, la boîte de strip-tease – son filmage épuré, épaulé par une admirable photo glacée d'Henri Decae. Tout concourt à transformer ce polar à l'intrigue assez classique en un requiem pour mauvais garçons aux accents crépusculaires. Hommage au film noir américain des années 50 – on pense plusieurs fois à Quand la ville dort de John Huston ou L'Ultime razzia de Kubrick –, on voit également à travers l'avant-dernier film de l'auteur de Bob le Flambeur et de L'Armée des ombres tout ce que les cinémas de Quentin Tarantino, de John Woo et de Takeshi Kitano, ainsi que Mission impossible de De Palma doivent à ce fascinant cinéaste, exigeant et populaire à la fois. -Sylvain Lefort.

LE classique du cinéma comique français : 17 millions d'entrées, longtemps recordman des entrées en France – seulement battu par Titanic et ses 20 millions de spectateurs. Archi-diffusé, et pourtant toujours champion de l'audience télévisée. Plus qu'un blockbuster à la française, c'est un film phénomène. Plusieurs raisons à cela : un cadre historique – l'Occupation – encore frais dans les mémoires ; des acteurs désopilants – Bourvil et de Funès – au sommet de leur art, tout auréolés du succès du Corniaud ; un scénario qui donne au film des allures de road movie et quelques scènes proches de la grande tradition du burlesque américain ; des gags à foison et des personnages hauts en couleur (les quiproquos dans la chambre d'hôtel, les bains turcs, le mitrailleur allemand qui louche, la mère supérieure) : des répliques qui fusent ; de la tendresse, notamment via les personnages de Marie Dubois et Bourvil ; la musique de Georges Auric. Concoctée par Gérard Oury et ses coscénaristes, Marcel Jullian et Danièle Thompson, cette recette infaillible conduira l'équipe à renouveler l'expérience avec toujours autant de brio dans Le Cerveau, La Folie des grandeurs et Les Aventures de Rabbi Jacob. -Sylvain Lefort.

Il est de ces films qu'on n'oublie pas et dont les mystères renouvellent le plaisir à chaque projection. Unique réalisation de l'immense et charismatique acteur Charles Laughton, La Nuit du chasseur fait partie de ces petits bijoux précieux et inclassables du septième art. Entre le film noir angoissant et la comédie humaniste à la Frank Capra, entre la peinture sociale d'une Amérique rongée par la dépression économique et la flânerie onirique stylisée, cette adaptation d'un roman de David Grubb traverse les genres sans jamais s'assujettir à l'un d'eux en particulier. La photo superbe de Stanley Cortez nous immerge dans un jeu d'ombre et de lumière, s'affranchissant du cadre rectangulaire, le recomposant littéralement. La maison des Harper prend à la nuit tombée, les formes menaçantes rappelant l'inquiétant Cabinet du docteur Caligari de Robert Wiene, exprimant ainsi la peur sourde inspirée par l'étrange prédicateur aux phalanges tatouées. "Hate" à gauche, "Love" à droite : le délire d'un psychopathe résonne comme un discours manichéen et simplificateur imposé à une Amérique en plein désarroi. Cette chimère, Charles Laughton la démonte avec une intelligence rare et une étonnante liberté de ton prise à l'encontre des canons du récit hollywoodien de l'époque. Mené par le duo magistral Robert Mitchum-Lilian Gish, La Nuit du chasseur est à la croisée de plusieurs histoires du cinéma e[f1][f2]t recèle un chef-d'œuvre unique dans tous les sens du terme. -Arnaud Caire.

Ce grand classique du cinéma américain n'a rien perdu de sa poésie. Même les effets spéciaux, qui pourront sembler quelque peu naïfs en comparaison de ceux d'aujourd'hui, ont conservé un charme et une fraîcheur irrésistibles. Mais ce qui fait la force exceptionnelle de ce film, c'est la beauté du thème central, qui renouvelle le mythe de la Belle et la Bête, et dont le traitement n'est pas exempt de suggestion érotique. La mort du gorille géant, au terme d'un final époustouflant, est en effet comme la conclusion tragique et mélancolique d'un amour inavouable. La délicieuse et juvénile Fay Wray, que l'on avait vue précédemment dans Les Chasses du comte Zaroff, se prête avec une étonnante conviction à ce jeu pour le moins ambigu. Le scénario est tiré d'un récit d'Edgar Wallace, prolifique et talentueux auteur de romans policiers. -Michel Marmin Classique des classiques, ce King Kong de 1933 reste beaucoup plus magique et impressionnant que son remake de 1976. Evidemment, les effets spéciaux feront sourire les plus jeunes… Poétique, le film n'en est pas moins violent et avait été, à l'époque, amputé de 15 minutes. [+]

Entre Le Massacre de Fort-Apache et Rio Grande, La Charge héroïque est peut-être le plus beau de la trilogie que John Ford consacre à la cavalerie. Plastiquement, d'abord : grâce à la somptueuse photo de Winton C. Hoch – qui empoche un Oscar pour la circonstance – jamais Monument Valley n'était apparu aussi flamboyant. À cet égard, le magnifique crépuscule rougeoyant sous lequel John Wayne se rend sur la tombe de son épouse reste gravé dans toutes les mémoires. Car, avant tout, La Charge héroïque est un hommage vibrant à ceux qui ont contribué à la naissance d'une nation : la cavalerie américaine. Non sous la forme d'une apologie aux relents patriotiques, mais par le biais d'une chronique nostalgique et élégiaque, à l'image de son splendide titre original, She Wore a Yellow Ribbon, auquel ne rend pas hommage la traduction française. Enfin, il ne faudrait pas oublier de signaler l'étonnante performance de John Wayne : dans le rôle d'un capitaine vieillissant sur le point de quitter l'armée, il est bouleversant – en témoigne la scène au cours de laquelle il chausse ses lunettes pour cacher son regard embué, alors qu'il reçoit en cadeau de la part de sa troupe une montre en argent. Preuve s'il en est que John Wayne est aussi un formidable acteur de composition. Au final, une merveille de western qui permet à John Ford de laisser éclater son génie pictural, narratif et poétique, magnifié par ce DVD de très grande qualité. Un long entretien avec un John Ford vieillissant et les analyses très intéressantes de spécialistes tels que Tag Gallagher et Bernard Eisenschitz complètent très utilement le programme. [+]