Dans cette édition collector de très belle qualité, un documentaire consacré à ce grand classique de la comédie musicale hollywoodienne éclaire le travail du réalisateur (Robert Wise, qui a tourné des films dans tous les genres, y compris le fantastique et la science-fiction), du chorégraphe (Jerome Robbins, ici coréalisateur), du compositeur de la bande originale (Leonard Bernstein écrivit une partition lyrique et sur mesure qui n'a pas pris une ride) et, surtout, des acteurs (dont la géniale Natalie Wood au destin tragique, aussi belle et habitée que chez Elia Kazan). De quoi mettre l'eau à la bouche et donner envie de revoir cette transposition libre de l'histoire de Roméo et Juliette dans le Harlem des années 60. Des décors aux chorégraphies, ce long métrage a marqué son époque, et influencé par exemple Jacques Demy avant qu'il réalise Les Demoiselles de Rochefort et Les Parapluies de Cherbourg. -Hervé Comte.

Unique incursion du cinéaste de Laura et d'Autopsie d'un meurtre dans le western, La Rivière sans retour est un authentique chef-d'œuvre. À la fois limpide et sauvage, ce film nous mène sur le double terrain du film d'aventures et du récit initiatique centré sur un double couple : un chercheur d'or et son fils qui apprennent à se connaître – Robert Mitchum et le jeune Tommy Retting, alors âgé de 10 ans et dont les relations ne sont pas sans évoquer cet autre grand chef-d'œuvre du film d'aventures réalisé également par un Viennois de Hollywood, Les Contrebandiers de Moonfleet de Fritz Lang ; un aventurier rugueux et une chanteuse au cœur pur, Mitchum et Marylin, un duo de légende. Plutôt à l'aise dans les environnements urbains – Un si doux visage, Mark Dixon détective en témoignent – Otto Preminger se tire haut la main de son challenge. Outre la splendeur du cinémascope, on y retrouve toute la patte du cinéaste : brillante utilisation de la grue, scénario qui exploite toutes les figures du genre (saloons, Indiens, tentative de viols), sens de l'espace et des décors naturels. Et même si le film lui a été commandé par Darryl Zanuck, le réalisateur est parvenu à lui insuffler une touche toute personnelle, doucement mélancolique. Ce qui en fait à la fois une éclatante réussite de genre et une très belle œuvre d'auteur. -Sylvain Lefort.

Un vieil homme sur un terrain vague en des temps difficiles. À l'enseigne Delicatessen, le boucher procure une viande qui provient d'on ne sait où. Et comme, parfois, un locataire disparaît. Louison, clown au chômage, devient l'homme à tout faire des lieux : réparateur de tuyaux ou de sommiers bruyants ou amuseur des enfants. Virtuose de la scie musicale, il plaît à Julie, viloncelliste, la fille du boucher.

Anna et le Roi est l'ultime remake s'inspirant des écrits biographiques d'Anna Leonowens, qui, en 1862, accepta de quitter l'Angleterre avec son jeune fils pour rejoindre le Siam et devenir préceptrice de la famille du roi. Le film d'Andy Tennant n'est pas tout à fait à la hauteur des précédentes adaptations, notamment celle de Walter Lang avec Yul Brunner et Deborah Kerr. Néanmoins, Anna et le Roi est une très belle échappée en cinémascope, non pas sur les routes du Siam, qui n'existe plus, mais sur celles de Malaisie où le film a été tourné. Les paysages sont magnifiques et superbement rendus par un parfait étalonnage des couleurs, nuancées, naturelles et rayonnantes. Par ailleurs, le Dolby digital 5. 1 (français, anglais) fait de véritables merveilles. Le commentaire audio du réalisateur (sous-titrable) est véritablement passionnant et justifie une deuxième lecture du disque. Le petit making-of qui accompagne le film donne, quant à lui, une idée de l'ampleur de la production. -Sophie Wittmer.

Le jour se lève marque la fin d'une époque. C'est en effet le dernier film dans lequel Jean Gabin endosse la tenue du perdant magnifique qui a fait sa légende dans les années 30, à travers des œuvres telles que Pépé le Moko, Quai des brumes ou La Bête humaine. Après la guerre, Gabin mettra des années à retrouver des rôles de cette envergure et les faveurs du public. Celui-ci fut cependant particulièrement déconcerté par la construction de ce cinquième long-métrage de Marcel Carné. Bâti sous forme de flash-back, procédé alors inédit – en France tout au moins –, le film débute avec le meurtre de Jules Berry par François (Gabin). Dès lors, François, retranché dans sa chambre, se souvient des circonstances qui l'ont conduit à tuer. Apogée du réalisme poétique, Le jour se lève comporte bon nombre de morceaux de bravoure – la scène ou Gabin harangue la foule de sa fenêtre, bien sûr, mais aussi toutes celles entre celui-ci et Berry, qui stupéfiait littéralement son partenaire, au point que Gabin en oubliait souvent de jouer – et reste, plus de soixante ans après sa sortie, un film clé de l'histoire du cinéma français. -Michaël Cuq.

Une jeune femme assiste, impuissante, à un massacre. Le meurtrier lui tend la main, elle tombe sous le charme. Que va-t-il advenir de sa vie ? Premier long métrage de Christophe Gans (Le Pacte des loups), ce film japonisant donne lieu à une édition DVD bien fournie : préproduction, direction artistique, story-board, le tournage… un second disque passe au peigne fin l'histoire du tournage à travers des suppléments passionnants. Quant au film, son transfert HD fait ressortir de nombreux détails, et il en résulte une œuvre à la texture magnifiquement restaurée. Les effets sur les enceintes arrière sont boostés au maximum. Ça explose et mitraille de tous les côtés. Pour éviter d'avoir des problèmes avec vos voisins, nous vous conseillons de les inviter à une séance "home cinéma". -Sophie Wittmer.

Steven Spielberg, grâce à la fluidité visuelle de ses réalisations, est un des rares auteurs contemporains capables de mettre en scène un film proche de l'esprit du muet. Pour cette adaptation du roman d'Alice Walker, Spielberg a adopté une approche inspirée de D. W. Griffith. On peut toujours discuter de la justesse de ses décisions mais en aucun cas nier la maestria de Spielberg dans le maniement des images : de l'enivrante scène d'ouverture où des enfants jouent dans un champ pourpre paradisiaque à sa manière de suggérer la brutalité d'un viol par l'image du mouvement de ceintures de cuir cognant sur la tête d'un lit tremblant, tout démontre son talent. Whoopi Goldberg, pour ses débuts à l'écran, est bouleversante. Pour l'anecdote, rappelons que La Couleur pourpre a été nominé pour 11 Oscars mais n'en a remporté aucun. Ce qui est injuste. -Jim Emerson.

Sorti en 1940, Le Dictateur est à la fois une œuvre visionnaire et une farce grinçante. À la politique de haine exprimée par le dictateur nazi, Chaplin oppose ici son humour de la façon la plus magistrale qui soit. Ulcéré par leurs points communs – les deux hommes sont nés à quelques jours d'intervalle et Hitler, comme Chaplin se plaisait à le rappeler avec hargne, avait "volé" sa moustache à Charlot –, le réalisateur des Temps modernes s'emploie avec brio à ridiculiser son ennemi du moment. Pour son premier film parlant, Chaplin utilise à merveille les possibilités qui s'offrent à lui, détournant la mythologie nazie (telle que l'a immortalisée Leni Riefenstahl) pour mieux s'en moquer, et retournant l'éloquence du Führer contre lui dans un discours final d'anthologie. Ce long plaidoyer pacifiste vaudra d'ailleurs pas mal d'ennuis à Chaplin, soupçonné de sympathies communistes après la guerre. Ponctué de morceaux de bravoure restés dans les mémoires – Hynkel jonglant avec le monde, la séquence du rasage musical, Jack Oakie, grandiose, singeant Mussolini – Le Dictateur n'est sans doute pas le meilleur film de Chaplin, mais c'est un chef-d'œuvre. C'est dire le génie de celui qui admit après coup que, s'il avait connu l'ampleur des atrocités nazies, il n'aurait pu réaliser ce film plein de dérision. Ce qui aurait été dommage, comme nous le rappelle ce double DVD de très grande qualité. Image impeccablement restaurée, son remarquable, documentaire passionnant mettant en parallèle les parcours de Chaplin et Hitler, film – inédit et en couleurs ! – réalisé par le frère de Chaplin, Sidney, sur le tournage, tout concours à faire redécouvrir cette merveille dans les meilleurs conditions. -Pierre Boeldieu.

Une douce héritière, Linda McKinlaw, s'éprend du séduisant Johnnie Aysgarth. À peine mariée, elle apprend que celui-ci a de graves problèmes financiers et n'a jamais travaillé. Semblant sombrer peu à peu dans la paranoïa, Linda en vient à soupçonner son jeune époux de vouloir l'assassiner… Excellent Hitchcock de 1941, Soupçons réunit à l'écran le couple somptueusement glamour Cary Grant-Joan Fontaine. Différent dans son final du roman signé Francis Isle dont il est tiré, Soupçons joue à merveille sur la corde de l'angoisse et de la paranoïa. Une ambiance très british, pour ce deuxième film du maître du suspense réalisé à Hollywood. À noter que Joan Fontaine reçut l'Oscar de la meilleure actrice pour ce film. -Jean-Pascal Grosso.